Miercoles, RECOMENDAMOS, Teatro

Brotherhood, mi Teatro Nün

ENLACE PERMANENTE

 

 

Esta obra de Anahí Ribeiro es una especie de constelación familiar. Pasando por los recuerdos las culpas y todas esas cosas que suceden entre hermanos., el camino a la madurez en esas relaciones comienza cuando se desentrañan los hitos de la memoria que ya fueron interpretados y resignificados en la exégesis familiar.  En la familia las respuestas, los saludos y los consejos, se parece tanto como las reacciones ante un estímulo, tienen un poco de prejuicio, un poco de cuidado, un poco de esperanza y otro de miedo.

Una obra que plantea las mismas cosas que suceden tantas veces,  pero con el ritmo y el color actual de las redes sociales, con una estética de Instagram puesta en las proyecciones y de wassap en los diálogos.  Anahí Ribeiro entonces arma la dramaturgia poniendo de manifiesto la poca movilidad  y presencia de la vida actual. Lo hace con diálogos  telefónicos, a través de las redes, e incluso  en una reunión pero con los personajes sentados en sillas,  en una fila la mayor parte de la obra. Todo tan estático a nivel físico y en contrapartida se plantean varias historias  movilizantes que tienen que ver con la vejez de los padres y los rencores del pasado.

Cambian las formas de comunicación pero las relaciones fraternales mantienen sus tensiones.: Los secretos y los sucesos que todo el mundo vio pero que nadie interpretó de la misma manera.  las historias repetidas como una liturgia, como credos que se machacan una y otra vez para sostener la estructura que (y esto tiene gracia) se cree como el sostén del entramado.

Esta obra logra captar que aunque los niños sean testigos de sucesos sus interpretaciones suelen ser exageradas o erróneas y los recuerdos están teñidos de adaptación y miedos..

Las actuaciones son  buenas en general  y aunque el nivel de los actores no es parejo, la puesta y un trabajo cuidadoso de dirección logran el balance y  el  fluir de la dramaturgia . 

Espectacular trabajo de proyecciones y mapping.

Nunca terminamos de entender hasta que nos ilumina el amor.

María Inés Senabre

 

 

“Brotherhood”
De Anahi Ribeiro.

 

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Miércoles a las 21hs., en Nün Teatro Bar, Juan Ramirez de Velasco 419, C.A.B.A.

Ficha Técnica.

Elenco: Julia Funari, María Forni, Ingrid Mosches, Gerardo Scherman, Mariano Sacco, Carlos Marsero y Bárbara Majnemer.

Asistente de dirección: Demián Ledesma Becerra.

Producción Ejecutiva: Antonella Schiavoni.

Fotografía y Diseño de Iluminación: Akira Patiño.

Diseño 3D: Demián Ledesma Becerra

Diseño escenográfico: Demián Ledesma Becerra.

Diseño de mapping: Eugenia González Choque.

Diseño gráfico: María Forni.
Duración: 75 minutos.

Dramaturgia y direcciónAnahi Ribeiro.

AUTORA  Y DIRECTORA DE  NOMEOLVIDES EN LA NIEBLA Y   LA FRAGILDAD DEL CIELO

Domingo, RECOMENDAMOS, Teatro

Tomar la Fabrica – dom C.C. de la Cooperacion sala Tuñon

ENLACE PERMANENTE

 

Tomar r la Fábrica  es una obra de Joselo Bella,  Ricardo Díaz Mourelle (actores en esta puesta)  y Pedro Sedlinsky, (el director)  que nos muestra una conversación de amigos, actores de teatro , desde un detonante aparentemente  poco trascendental, en la que se apuran conflictos. El dinero,  el amor y la seguridad, el significado del trabajo y del arte como trabajo despiertan  tensiones que no se resuelven porque se arman por capas, dejando al desnudo que muchas veces somos malos como público y poco pacientes como oyentes  en un contexto fraterno.  Se expresan  tomando personajes clásicos del cine o enfoques de entrenamiento varios, generando no pocas risas en el público.

Los taxistas y los pescadores no son los únicos cuyos relatos hacen crecer un suceso o un pescado tanto que tal vez  refleje  vagamente la realidad.  Hasta un empleado administrativo cuenta la historia de un expediente, y lo que dijeron el archivista,  el jefe, o el encargado,  a alguien que lo mira con incomprensión absoluta de la gracia de aquello.  Médicos, farmacéuticos, peluqueros… todos tienen versiones geniales y absurdas de sucesos que serían de otra manera incoloros.  En estos asuntos los actores son mejores, porque saben medir,  la mayoría de las veces, cuando se van de registro  por lo que es posible disfrutar, cuando escriben pequeñas obras maestras para contar algo simple.

El texto nos recuerda también algunas maneras de juzgar en el pasado la vida del artista músico o actor y sus réplicas en el presente. Miles de historias se acumulan sobre elegir entre el amor o la familia y la actuación en el teatro  o como músico.  Las recordamos en las voces de los abuelos,  en la mesa de navidad tal vez.  Aquí escuchamos sentencias parecidas en el recuerdo de la vida de cada uno de los personajes.  La miseria y el rencor  oscurecen esos recuerdos, que parecen trascender la opinión del relator. La moraleja cambia de enfoque en la mente del joven o el niño que la escucha, y se vuelve un sufrimiento hecho a medida . Esto marca la raíz de  la comprensión del sentido qué le damos al trabajo. Extrañas escalas de valores que se entrecruzan como las de Escher, son el cimiento  de  las renuncias,  los emprendimientos, los sacrificios y las pretensiones.

La vida local, con su historia y su presente, enmarca a  estos héroes de grandes batallas, reales o ilusorias, tal vez de cabotaje, mientras aprovechamos a repasar algunas cuestiones locales más o menos recientes. La data sobre la época , un poco confusa pero amable,  me lleva 15 o 20 años atrás,  por el  color del diálogo,, mas no por la edad de los personajes, como si fuera una charla quedada en el tiempo . Hay algo íntegro y realista,  con sus momentos épicos, grotescos, trágicos o  desmesurados.

Es  interesante la dramaturgia en la que cada uno de los relatos genera  ansiedad, curiosidad o molestia en el otro personaje que se muestra con más ganas de ser escuchado que de escuchar, pero genuinamente interesado  por el otro fuera de lo discursivo. Queda de manifiesto el peso del karma familiar por el que las decisiones  son  reacciones muchas veces inmensurables.

Las actuaciones son muy buenas,, con un gran trabajo de dirección que sostiene las intrincadas tensiones del juego dramático. La puesta en general es sólida..

Nunca se valora  suficientemente  lo que pueden generar nuestras palabras en la mente de otro.  Nunca se reflexiona lo suficiente sobre el trabajo del actor y su cotidianidad.

María Inés Senabre

 

 

“Tomar la fábrica”
Dirigida por Pedro Sedlinsky

 

*Desde el 8 de septiembre, todos los domingos a las 19:30hs., en el Centro Cultural de la Cooperación, Sala Raúl Gonzalez Tuñón, Corrientes 1543, C.A.B.A. – Argentina.

*Reservas: 5077-8000. Valor de la entrada. $350.

Domingo, RECOMENDAMOS, Teatro

Segismundo do Sala El Extrangero

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Un texto tan profundo llevado al lenguaje teatral, deja el alma pasmada, en carne viva. En esta puesta, la vida palpitante en la pluma de Pedro Calderón De La Barca  nos interpela. Tan trillado como el cuento de  Cenicienta o de Buda, los temores de los reyes frente a las profecías  sobre su descendencia siempre resultan en malas ideas sobre como evitar lo que entienden como desgracia inminente. Le podríamos haber dicho que va a perder la apuesta, pero  les sigue pareciendo buena idea. Como siempre el entorno intenta aprovechar   este desequilibrio cargado de culpas y miedos.

Un actor y sus títeres, en un diálogo como de un prisionero solitario con los habitantes de su territorio imaginario. Pregunta, contesta, odia y ama.

Los creativos objetos que  arman la escenografía son herramientas de expresión maravillosas en manos del excelente titiritero y actor Luis Rivera López. Es una belleza ver las dos partes en diálogo, en la misma persona dividida entre él y  los títeres tamaño humano adulto. Claramente se demarcan los interlocutores, y es realmente una conversación angustiosa y ferviente.

La pregunta es tal vez, quien es tu carcelero y que temes de la libertad.

La puesta es realmente mucho más que presenciar el mundo que crea este brillante artista. Sentía por momentos que escapaba de sus manos el manejo de lo que sucede en escena, y me generaba  expectación, con mucha profundidad y  trascendiendo la historia.

Una de esas experiencias que piden ser mantenidas al rescoldo del corazón, por un buen rato, para disfrutar de su dulzura y su pasión.

María Inés Senabre

 

 

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Segismundo

Nueva propuesta (para adultos) de Libertablas, basada en “La vida es sueño”, de Pedro Calderón De La Barca

Dramaturgia e interpretación: Luis Rivera Lopez / Dirección: Gustavo Manzanal /  Funciones: Domingos, 20.30hs. / Sala: El Extranjero, Valentín Gomez 3378

Entrada: $400.- (Est. y Jub. $350)/ / Redes: Segismundo (Facebook)

Nuevo trabajo de Libertablas, donde a partir del cruce entre el teatro y la manipulación de títeres y objetos, se propone habitar uno de los clásicos de la literatura universal: “La vida es sueño”, de Pedro Calderón De La Barca.

 

Domingo, RECOMENDAMOS, Teatro

Chicos Feos dom en La Soderia

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IMG_20190811_193214576~2Mi experiencia con esta obra es verla pegar un salto, porque la vi en el pre-estreno, y entonces, esta segunda vez, me asombraron cuestiones diferentes, no la historia, no la estructura y la búsqueda general,  sino la madurez  de esta puesta.

Qué es lo feo? Un título que desde ya cuestiona.  Nadie resiste un archivo y nadie resiste un lente acercándose. Más allá qué sigo considerando que la belleza o la fealdad son construcciones sociales, y que aún la simetría que se toma como una regla absoluta es, en algún aspecto, un punto de vista, esa belleza, la que todo el mundo aplaude,  se pierde grandemente con un enfoque. Gabriel Gavila acerca una lente, y desde corta distancia tal vez todos seamos Chicos Feos.  

La estructura de la obra es firme dentro de su aire de naturalidad, y su apariencia de imprevisibilidad.

Como la belleza, la empatía y la compasión tienen que ver con la mirada y el acortar distancias.

En esta obra, plagada de  historias reales, podemos comprender  el valor escondido en el miedo, el miedo escondido en la agresividad, y todas esas cosas tan humanas, si logramos  un acercamiento sin prejuicios.

La maravilla es que es un show y no un evento de auto-ayuda, o terapéutico. La participación dentro del grupo de actores de Gabriel aporta el contrapeso exacto que mantiene el equilibrio.  No es una obra fácil de dirigir.

Me encantó verla esta segunda vez y disfrutar ese salto desde la semilla hasta una obra que se plantea profunda y divertida a la vez.

El grupo de actores numeroso, además de Gabriel Gavila:  Lautaro Cuevas,  Juan Felipe Pelaez, Ruben Quintero, Santiago Larrama, Stefano Rapisardi, Javier Roldan, Marcelo Salas, Leandro Sturla, Lior Telezon y Gastón Viturro.  logra una ecléctica armonía  y el aprovechamiento de los puntos fuertes de cada individualidad.

El trabajo escenográfico está muy bueno. La puesta es excelente, tanto como el manejo en escena en dónde todos se mueven con soltura.

María Inés Senabre

 

 

“SHOW (CHICOS FEOS)”
de Gabriel Gavila.

*Todos los domingos a las 18hs., en Espacio Artístico La Sodería, Vidal 2549 Belgrano, C.A.B.A. – Argentina.

*Entrada a la gorra. Reservas: chicosfeosteatro@gmail.com

Sabados, Teatro

Agrupacion 9 de Julio Presente sab La Tertulia

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El estilo de Alejo Beccar y su búsqueda de plantear un mensaje inspirador,  desde la herramienta de la metáfora, brilla realmente en el planteo de “Agrupación9 de Julio Presente” al inicio.  En esa primera parte los actores Tomás Claudio, Guillermo Meresman y Jorge Paz se lucen como triunvirato de la comisión directiva del Club San Alberto.  La similitud entre los negociados de esos personajes y algunas decisiones  económicas nacionales, es evidente y se mantiene peligrosamente al borde de lo panfletario, pero logra sostener una buena estructura con toques cómicos, bien empleados por estos excelentes actores.

Luego, los jóvenes intentan oponerse a las intenciones de esta gente, pero podríamos olvidar esa parte, porque entramos en un terreno lleno de dificultades. La obra bien acabada no está pero las intervenciones de los tres señores, bien podrían conformar, con algunos ajustes,  una puesta completa. La sensación es como si se encontraran dos obras con dos directores distintos y esto genera un salto demasiado abrupto.

Las ingenuas precariedades de la escenografía,  se hubieran resuelto fácilmente con un poco de ingenio y herramientas que el teatro tiene ya bastante probadas.

La puesta parece tener dos mitades, o tal vez le falte la mitad.

María Inés Senabre

 

 

 

 

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Alejo Beccar
Actúan: Tomás Claudio, Guillermo Meresman, Jorge Paz, Josefina Pignataro, Andres Rojas, Jessica Wejcman
Ambientación: Alejo Beccar
Diseño de luces: Alejo Beccar
Fotografía:Verónica Zacayan
Diseño gráfico: Nicolás Senestrari
Asesoramiento de vestuario: Camila Caubet
Asistencia de dirección: Camila Caubet
Producción:Teatro La Tertulia
Dirección: Alejo Beccar
Jueves, RECOMENDAMOS, Sabados, Teatro

Potestad jue y sab Caras y Caretas 2037

De la impresionante obra de Eduardo Pavlovsky, Potestad define con su linealidad textual, un punto de vista desde un momento en la historia de argentina, y un personaje que viene envuelto en una capa de nausea y terror.
Norman Briski con la fuerza y la libertad que le permite su trayectoria,  simplifica esta obra dejando al descubierto los complejos y retorcidos vericuetos que sostienen esa filosofía de vida hecha de muerte.
Un mundo de espectros, al que la maravillosa actriz María Onetto nos enfrenta en un decir, que en voz femenina remarca y acentúa el tono de ese personaje. Maravilla de actuación, en una puesta armada sobre un estilo de teatro noh pero que se asomaba, no solo por la procedencia,  a la danza butoh,  por la profundidad existencial del texto y por el trabajo de los movimientos que con ser acotados, provienen ocultas raíces así como por la expresión de la violencia sobre el cuerpo, marcada por lo que no parece suceder.

Tantas cuestiones más para destacar: La escenografía japonesa con diseño a cargo de Leandro Bardach;   El uso de recursos del teatro, desde el comienzo con un trabajo de percusión,  con diseño y ejecución de Tomás Finkelsztein sobre las paredes de la sala, La sensación  que todo se destruye, que todo se desnuda y es posible.

El sonido en si mismo tiene un trabajo milimétrico que se los recomiendo, estén atentos a los detalles.

El vesturio es una maravilla, de Renata Shussheim.  y un equipo técnico de lujo.

Una sala maravillosa y la valentía de aprovechar todos los recursos en formas nada tradicionales, hacen de esta puesta una joya para recordar y volver a ver…

María Inés Senabre

POTESTAD
De Eduardo Pavlovsky
Dirigida por Norman Briski
Con María Onetto
Potestad
FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA:
Elenco: María Onetto
Vestuario: Renata Schussheim
Escenografía: Leandro Bardach
Diseño sonoro y música en vivo: Tomás Finkelsztein
Entrenamiento y asistencia en traspolación de teatro noh: Daniela Rizzo
Realización Escenográfica: Guillermo Bechthold, Ignacio Lang y Fernando Neumann
Realización Vestuario: Jorge Maselli y Cristina Tavano
Fotografía: Catriel Remedi
Comunicación y prensa: Mutuverría PR
Asistencia de dirección: David Subi
Dirección: Norman Briski
DEPARTAMENTO DE PRODUCCIÓN TEATRAL:
Coordinación general: Florencia Pereiro
Dirección artistica y Producción ejecutiva: Marcelo Melingo y Horacio David
EQUIPO TÉCNICO:
Director técnico: Diego Smolovich
Sala: Christian Martorel y José Mingoranze
Escenario: Luis Vargas y Mariano Katz
Luces: Emiliano Huala
Sonido: Emilio Nícoli
Funciones: Jueves a las 21 y Sábados 22.30hs
En Caras y Caretas 2037 – Sarmiento 2037, CABA
Entrada General: $300.-
A la venta en Alternativa Teatral
Domingo, RECOMENDAMOS, Teatro

Saudade dom. Espacio Polonia

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Hay muchas de historias qué hablan encuentro con algún objeto de la infancia: el portón de la vieja casa, un árbol, un patio.  Ellas nos hacen comprender la diferencia entre nuestros recuerdos y el peso o el tamaño real de personas, objetos o lugares. A diferencia de los objetos cotidianos, las cuestiones emocionales,  las palabras,  consignas o actitudes de nuestros mayores,  las imágenes y explicaciones que nos formamos de niños, no son fáciles de medir, sopesar, o enfocarlas con una saludable perspectiva. Tantas veces escuchamos que eso lo hacen por nuestro bien.

En esta obra transitamos los vericuetos de la memoria de un joven que regresa a la casa de su infancia y los efectos que en su presente crecieron al calor de la adaptación a las decisiones que tomaron sus padres. Una madre poderosa que diseña la vida de su hijo para alejarlo de las situaciones a las que ella teme, desde el idioma que es conveniente usar , de dónde debe vivir hasta la construcción de la imagen paterna.

Vi esta obra de Lucas Santa Ana y Francisco Ortiz  por primera vez cerca de su estreno,  hace unos años, y me dejé inundar por el juego de la memoria. Había hecho una nota radial y tenía apuntes para recordar cada una de las situaciones pero, decidí ir con mis no tan completo recuerdos a dejarme atrapar por la trama manos de los actores .

En mi experiencia, al revés de los objetos o espacios que uno ve luego de mucho tiempo, la obra había crecido, maduró o tal vez yo cambié, o ambos  viajamos un trecho y tenemos otra perspectiva.

¿Cuánto de lo que hacemos es fruto de las adaptaciones que creemos nececitar para vivir? ¿Qué sucede cuando nos animamos desentrañar, los motivos reales, el sentido de algunas frases, lo oculto a simple vista? Es juntar fuerzas, y valor para abrir los ojos y mirar…

Saudade  es un ejercicio búsqueda con momentos de claridad y otros de no querer enterarse.

Muy buenas actuaciones,  coreografiadas prolijamente, con entradas y salidas, en cruces temporales. Germán (Gabriel Gavila) es el que permanece con una maravillosa actuación, en ese viaje de angustia, miedos, valentías, oscuridades y luces. acompañado de manera excelente por Pilar Abentín, Agustin Aguirre, María Lía Bagnoli , Darío Miño y  Patricio Witis. Los actores, bajo la dirección de Lucas Santa Ana forman un grupo fantástico .

Me pareció muy buena la reconstrucción escenográfica y sonora de la época… más bien de las dos épocas de Saudade.

Un viaje que vale mucho, y nos ayuda además, a analizar desde otro punto de vista cambios culturales que  se vivieron con mucha prisa.

María Inés Senabre

 

Saudade

De Lucas Santa Ana y Francisco Ortiz

Ficha técnica

Dramaturgia: Lucas Santa Ana y Francisco Ortiz

Actúan: Pilar Abentín, Agustin Aguirre, María Lía Bagnoli, Gabriel Gavila, Darío Miño, Patricio Witis

Vestuario y escenografía: Mariana Petrini

Diseño de luces: Soledad Ianni

Música original: Coiffeur

Fotografía: Kenny Lemes

Diseño gráfico: Leandro Restaino

Asistencia de dirección: Vanina Cavallito

Dirección: Lucas Santa Ana

Domingos a las 18.30 hs

Espacio Polonia, Fitz Roy 1477 (C.A.B.A.)

Entradas $300 / Promociones disponibles