Domingo, Teatro

Olga – Masha – Irina Variaciones sobre Chejov dom en El Camarin de las Musas

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olga maya IrinaEsta obra de José Sanchís Sinisterra es un juego en el que los papeles de las “Tres Hermanas” son ensayados, comentados, semi-montados.

En este caso cada una de las actrices cumple varios roles, su personaje principal, la actriz que representa el personaje y,  los otros personajes de la obra, en este caso como relato interpretado.

En ese espacio se dan el premiso de la crítica a la situación, el humor y algunas otras travesuras.

En la puesta de Alejandro Giles las actrices  Ana María Castel, Livia Fernan y Emma Rivera conforman  un buen grupo  de las cuales se destaca Livia Fernan sin dudas.

Las plasticidad de los supuestos lleva a un desdoblamiento en el cual las emociones algunas veces son de los personajes de Chéjov y otras de los personajes de Sanchís Sinisterra, o sea de las mujeres en el escenario interpretando los papeles, como el personaje que actúa a Irina, que  se emociona por decir el texto y lo disfruta…  Interesante para pensar también el camino de la actuación y  sus distintos enamoramientos.

En el juego de jugar hay varios tropiezos con el texto pero pueden confundirse un poco con el estilo de ensayo de la obra.

La escenografía es maravillosa, sencilla  pero de calidad y contundente.

Es sin dudas un entretenimiento intelectual que parece dedicado sobre todo a gente de teatro, escritores y  a los amantes (pero con relación abierta) de Chéjov.

María Inés Senabre

 

De José Sanchís Sinisterra, con dirección de Alejandro Giles / Intérpretes: Con Ana María Castel, Livia Fernan y Emma Rivera / Funciones: A partir del 12 de enero, domingos, 20 hs. / Sala: Camarín de las Musas, Mario Bravo 960 / Precio de la Entrada: $400 (Menores de 30 y Club La Nación $200 / Jubilados $300) / Redes: @variacionessobrechejov (Facebook e Instagram)

Miercoles, RECOMENDAMOS, Teatro

Brotherhood, mi Teatro Nün

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Esta obra de Anahí Ribeiro es una especie de constelación familiar. Pasando por los recuerdos las culpas y todas esas cosas que suceden entre hermanos., el camino a la madurez en esas relaciones comienza cuando se desentrañan los hitos de la memoria que ya fueron interpretados y resignificados en la exégesis familiar.  En la familia las respuestas, los saludos y los consejos, se parece tanto como las reacciones ante un estímulo, tienen un poco de prejuicio, un poco de cuidado, un poco de esperanza y otro de miedo.

Una obra que plantea las mismas cosas que suceden tantas veces,  pero con el ritmo y el color actual de las redes sociales, con una estética de Instagram puesta en las proyecciones y de wassap en los diálogos.  Anahí Ribeiro entonces arma la dramaturgia poniendo de manifiesto la poca movilidad  y presencia de la vida actual. Lo hace con diálogos  telefónicos, a través de las redes, e incluso  en una reunión pero con los personajes sentados en sillas,  en una fila la mayor parte de la obra. Todo tan estático a nivel físico y en contrapartida se plantean varias historias  movilizantes que tienen que ver con la vejez de los padres y los rencores del pasado.

Cambian las formas de comunicación pero las relaciones fraternales mantienen sus tensiones.: Los secretos y los sucesos que todo el mundo vio pero que nadie interpretó de la misma manera.  las historias repetidas como una liturgia, como credos que se machacan una y otra vez para sostener la estructura que (y esto tiene gracia) se cree como el sostén del entramado.

Esta obra logra captar que aunque los niños sean testigos de sucesos sus interpretaciones suelen ser exageradas o erróneas y los recuerdos están teñidos de adaptación y miedos..

Las actuaciones son  buenas en general  y aunque el nivel de los actores no es parejo, la puesta y un trabajo cuidadoso de dirección logran el balance y  el  fluir de la dramaturgia . 

Espectacular trabajo de proyecciones y mapping.

Nunca terminamos de entender hasta que nos ilumina el amor.

María Inés Senabre

 

 

“Brotherhood”
De Anahi Ribeiro.

 

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Miércoles a las 21hs., en Nün Teatro Bar, Juan Ramirez de Velasco 419, C.A.B.A.

Ficha Técnica.

Elenco: Julia Funari, María Forni, Ingrid Mosches, Gerardo Scherman, Mariano Sacco, Carlos Marsero y Bárbara Majnemer.

Asistente de dirección: Demián Ledesma Becerra.

Producción Ejecutiva: Antonella Schiavoni.

Fotografía y Diseño de Iluminación: Akira Patiño.

Diseño 3D: Demián Ledesma Becerra

Diseño escenográfico: Demián Ledesma Becerra.

Diseño de mapping: Eugenia González Choque.

Diseño gráfico: María Forni.
Duración: 75 minutos.

Dramaturgia y direcciónAnahi Ribeiro.

AUTORA  Y DIRECTORA DE  NOMEOLVIDES EN LA NIEBLA Y   LA FRAGILDAD DEL CIELO

Domingo, RECOMENDAMOS, Teatro

Tomar la Fabrica – dom C.C. de la Cooperacion sala Tuñon

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Tomar r la Fábrica  es una obra de Joselo Bella,  Ricardo Díaz Mourelle (actores en esta puesta)  y Pedro Sedlinsky, (el director)  que nos muestra una conversación de amigos, actores de teatro , desde un detonante aparentemente  poco trascendental, en la que se apuran conflictos. El dinero,  el amor y la seguridad, el significado del trabajo y del arte como trabajo despiertan  tensiones que no se resuelven porque se arman por capas, dejando al desnudo que muchas veces somos malos como público y poco pacientes como oyentes  en un contexto fraterno.  Se expresan  tomando personajes clásicos del cine o enfoques de entrenamiento varios, generando no pocas risas en el público.

Los taxistas y los pescadores no son los únicos cuyos relatos hacen crecer un suceso o un pescado tanto que tal vez  refleje  vagamente la realidad.  Hasta un empleado administrativo cuenta la historia de un expediente, y lo que dijeron el archivista,  el jefe, o el encargado,  a alguien que lo mira con incomprensión absoluta de la gracia de aquello.  Médicos, farmacéuticos, peluqueros… todos tienen versiones geniales y absurdas de sucesos que serían de otra manera incoloros.  En estos asuntos los actores son mejores, porque saben medir,  la mayoría de las veces, cuando se van de registro  por lo que es posible disfrutar, cuando escriben pequeñas obras maestras para contar algo simple.

El texto nos recuerda también algunas maneras de juzgar en el pasado la vida del artista músico o actor y sus réplicas en el presente. Miles de historias se acumulan sobre elegir entre el amor o la familia y la actuación en el teatro  o como músico.  Las recordamos en las voces de los abuelos,  en la mesa de navidad tal vez.  Aquí escuchamos sentencias parecidas en el recuerdo de la vida de cada uno de los personajes.  La miseria y el rencor  oscurecen esos recuerdos, que parecen trascender la opinión del relator. La moraleja cambia de enfoque en la mente del joven o el niño que la escucha, y se vuelve un sufrimiento hecho a medida . Esto marca la raíz de  la comprensión del sentido qué le damos al trabajo. Extrañas escalas de valores que se entrecruzan como las de Escher, son el cimiento  de  las renuncias,  los emprendimientos, los sacrificios y las pretensiones.

La vida local, con su historia y su presente, enmarca a  estos héroes de grandes batallas, reales o ilusorias, tal vez de cabotaje, mientras aprovechamos a repasar algunas cuestiones locales más o menos recientes. La data sobre la época , un poco confusa pero amable,  me lleva 15 o 20 años atrás,  por el  color del diálogo,, mas no por la edad de los personajes, como si fuera una charla quedada en el tiempo . Hay algo íntegro y realista,  con sus momentos épicos, grotescos, trágicos o  desmesurados.

Es  interesante la dramaturgia en la que cada uno de los relatos genera  ansiedad, curiosidad o molestia en el otro personaje que se muestra con más ganas de ser escuchado que de escuchar, pero genuinamente interesado  por el otro fuera de lo discursivo. Queda de manifiesto el peso del karma familiar por el que las decisiones  son  reacciones muchas veces inmensurables.

Las actuaciones son muy buenas,, con un gran trabajo de dirección que sostiene las intrincadas tensiones del juego dramático. La puesta en general es sólida..

Nunca se valora  suficientemente  lo que pueden generar nuestras palabras en la mente de otro.  Nunca se reflexiona lo suficiente sobre el trabajo del actor y su cotidianidad.

María Inés Senabre

 

 

“Tomar la fábrica”
Dirigida por Pedro Sedlinsky

 

*Desde el 8 de septiembre, todos los domingos a las 19:30hs., en el Centro Cultural de la Cooperación, Sala Raúl Gonzalez Tuñón, Corrientes 1543, C.A.B.A. – Argentina.

*Reservas: 5077-8000. Valor de la entrada. $350.

Domingo, RECOMENDAMOS, Teatro

Segismundo do Sala El Extrangero

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Un texto tan profundo llevado al lenguaje teatral, deja el alma pasmada, en carne viva. En esta puesta, la vida palpitante en la pluma de Pedro Calderón De La Barca  nos interpela. Tan trillado como el cuento de  Cenicienta o de Buda, los temores de los reyes frente a las profecías  sobre su descendencia siempre resultan en malas ideas sobre como evitar lo que entienden como desgracia inminente. Le podríamos haber dicho que va a perder la apuesta, pero  les sigue pareciendo buena idea. Como siempre el entorno intenta aprovechar   este desequilibrio cargado de culpas y miedos.

Un actor y sus títeres, en un diálogo como de un prisionero solitario con los habitantes de su territorio imaginario. Pregunta, contesta, odia y ama.

Los creativos objetos que  arman la escenografía son herramientas de expresión maravillosas en manos del excelente titiritero y actor Luis Rivera López. Es una belleza ver las dos partes en diálogo, en la misma persona dividida entre él y  los títeres tamaño humano adulto. Claramente se demarcan los interlocutores, y es realmente una conversación angustiosa y ferviente.

La pregunta es tal vez, quien es tu carcelero y que temes de la libertad.

La puesta es realmente mucho más que presenciar el mundo que crea este brillante artista. Sentía por momentos que escapaba de sus manos el manejo de lo que sucede en escena, y me generaba  expectación, con mucha profundidad y  trascendiendo la historia.

Una de esas experiencias que piden ser mantenidas al rescoldo del corazón, por un buen rato, para disfrutar de su dulzura y su pasión.

María Inés Senabre

 

 

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Segismundo

Nueva propuesta (para adultos) de Libertablas, basada en “La vida es sueño”, de Pedro Calderón De La Barca

Dramaturgia e interpretación: Luis Rivera Lopez / Dirección: Gustavo Manzanal /  Funciones: Domingos, 20.30hs. / Sala: El Extranjero, Valentín Gomez 3378

Entrada: $400.- (Est. y Jub. $350)/ / Redes: Segismundo (Facebook)

Nuevo trabajo de Libertablas, donde a partir del cruce entre el teatro y la manipulación de títeres y objetos, se propone habitar uno de los clásicos de la literatura universal: “La vida es sueño”, de Pedro Calderón De La Barca.

 

Domingo, RECOMENDAMOS, Teatro

Chicos Feos dom en La Soderia

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IMG_20190811_193214576~2Mi experiencia con esta obra es verla pegar un salto, porque la vi en el pre-estreno, y entonces, esta segunda vez, me asombraron cuestiones diferentes, no la historia, no la estructura y la búsqueda general,  sino la madurez  de esta puesta.

Qué es lo feo? Un título que desde ya cuestiona.  Nadie resiste un archivo y nadie resiste un lente acercándose. Más allá qué sigo considerando que la belleza o la fealdad son construcciones sociales, y que aún la simetría que se toma como una regla absoluta es, en algún aspecto, un punto de vista, esa belleza, la que todo el mundo aplaude,  se pierde grandemente con un enfoque. Gabriel Gavila acerca una lente, y desde corta distancia tal vez todos seamos Chicos Feos.  

La estructura de la obra es firme dentro de su aire de naturalidad, y su apariencia de imprevisibilidad.

Como la belleza, la empatía y la compasión tienen que ver con la mirada y el acortar distancias.

En esta obra, plagada de  historias reales, podemos comprender  el valor escondido en el miedo, el miedo escondido en la agresividad, y todas esas cosas tan humanas, si logramos  un acercamiento sin prejuicios.

La maravilla es que es un show y no un evento de auto-ayuda, o terapéutico. La participación dentro del grupo de actores de Gabriel aporta el contrapeso exacto que mantiene el equilibrio.  No es una obra fácil de dirigir.

Me encantó verla esta segunda vez y disfrutar ese salto desde la semilla hasta una obra que se plantea profunda y divertida a la vez.

El grupo de actores numeroso, además de Gabriel Gavila:  Lautaro Cuevas,  Juan Felipe Pelaez, Ruben Quintero, Santiago Larrama, Stefano Rapisardi, Javier Roldan, Marcelo Salas, Leandro Sturla, Lior Telezon y Gastón Viturro.  logra una ecléctica armonía  y el aprovechamiento de los puntos fuertes de cada individualidad.

El trabajo escenográfico está muy bueno. La puesta es excelente, tanto como el manejo en escena en dónde todos se mueven con soltura.

María Inés Senabre

 

 

“SHOW (CHICOS FEOS)”
de Gabriel Gavila.

*Todos los domingos a las 18hs., en Espacio Artístico La Sodería, Vidal 2549 Belgrano, C.A.B.A. – Argentina.

*Entrada a la gorra. Reservas: chicosfeosteatro@gmail.com

Sabados, Teatro

Agrupacion 9 de Julio Presente sab La Tertulia

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El estilo de Alejo Beccar y su búsqueda de plantear un mensaje inspirador,  desde la herramienta de la metáfora, brilla realmente en el planteo de “Agrupación9 de Julio Presente” al inicio.  En esa primera parte los actores Tomás Claudio, Guillermo Meresman y Jorge Paz se lucen como triunvirato de la comisión directiva del Club San Alberto.  La similitud entre los negociados de esos personajes y algunas decisiones  económicas nacionales, es evidente y se mantiene peligrosamente al borde de lo panfletario, pero logra sostener una buena estructura con toques cómicos, bien empleados por estos excelentes actores.

Luego, los jóvenes intentan oponerse a las intenciones de esta gente, pero podríamos olvidar esa parte, porque entramos en un terreno lleno de dificultades. La obra bien acabada no está pero las intervenciones de los tres señores, bien podrían conformar, con algunos ajustes,  una puesta completa. La sensación es como si se encontraran dos obras con dos directores distintos y esto genera un salto demasiado abrupto.

Las ingenuas precariedades de la escenografía,  se hubieran resuelto fácilmente con un poco de ingenio y herramientas que el teatro tiene ya bastante probadas.

La puesta parece tener dos mitades, o tal vez le falte la mitad.

María Inés Senabre

 

 

 

 

Ficha técnico artística

Dramaturgia: Alejo Beccar
Actúan: Tomás Claudio, Guillermo Meresman, Jorge Paz, Josefina Pignataro, Andres Rojas, Jessica Wejcman
Ambientación: Alejo Beccar
Diseño de luces: Alejo Beccar
Fotografía:Verónica Zacayan
Diseño gráfico: Nicolás Senestrari
Asesoramiento de vestuario: Camila Caubet
Asistencia de dirección: Camila Caubet
Producción:Teatro La Tertulia
Dirección: Alejo Beccar
Jueves, RECOMENDAMOS, Sabados, Teatro

Potestad jue y sab Caras y Caretas 2037

De la impresionante obra de Eduardo Pavlovsky, Potestad define con su linealidad textual, un punto de vista desde un momento en la historia de argentina, y un personaje que viene envuelto en una capa de nausea y terror.
Norman Briski con la fuerza y la libertad que le permite su trayectoria,  simplifica esta obra dejando al descubierto los complejos y retorcidos vericuetos que sostienen esa filosofía de vida hecha de muerte.
Un mundo de espectros, al que la maravillosa actriz María Onetto nos enfrenta en un decir, que en voz femenina remarca y acentúa el tono de ese personaje. Maravilla de actuación, en una puesta armada sobre un estilo de teatro noh pero que se asomaba, no solo por la procedencia,  a la danza butoh,  por la profundidad existencial del texto y por el trabajo de los movimientos que con ser acotados, provienen ocultas raíces así como por la expresión de la violencia sobre el cuerpo, marcada por lo que no parece suceder.

Tantas cuestiones más para destacar: La escenografía japonesa con diseño a cargo de Leandro Bardach;   El uso de recursos del teatro, desde el comienzo con un trabajo de percusión,  con diseño y ejecución de Tomás Finkelsztein sobre las paredes de la sala, La sensación  que todo se destruye, que todo se desnuda y es posible.

El sonido en si mismo tiene un trabajo milimétrico que se los recomiendo, estén atentos a los detalles.

El vesturio es una maravilla, de Renata Shussheim.  y un equipo técnico de lujo.

Una sala maravillosa y la valentía de aprovechar todos los recursos en formas nada tradicionales, hacen de esta puesta una joya para recordar y volver a ver…

María Inés Senabre

POTESTAD
De Eduardo Pavlovsky
Dirigida por Norman Briski
Con María Onetto
Potestad
FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA:
Elenco: María Onetto
Vestuario: Renata Schussheim
Escenografía: Leandro Bardach
Diseño sonoro y música en vivo: Tomás Finkelsztein
Entrenamiento y asistencia en traspolación de teatro noh: Daniela Rizzo
Realización Escenográfica: Guillermo Bechthold, Ignacio Lang y Fernando Neumann
Realización Vestuario: Jorge Maselli y Cristina Tavano
Fotografía: Catriel Remedi
Comunicación y prensa: Mutuverría PR
Asistencia de dirección: David Subi
Dirección: Norman Briski
DEPARTAMENTO DE PRODUCCIÓN TEATRAL:
Coordinación general: Florencia Pereiro
Dirección artistica y Producción ejecutiva: Marcelo Melingo y Horacio David
EQUIPO TÉCNICO:
Director técnico: Diego Smolovich
Sala: Christian Martorel y José Mingoranze
Escenario: Luis Vargas y Mariano Katz
Luces: Emiliano Huala
Sonido: Emilio Nícoli
Funciones: Jueves a las 21 y Sábados 22.30hs
En Caras y Caretas 2037 – Sarmiento 2037, CABA
Entrada General: $300.-
A la venta en Alternativa Teatral
Domingo, RECOMENDAMOS, Teatro

Saudade dom. Espacio Polonia

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Hay muchas de historias qué hablan encuentro con algún objeto de la infancia: el portón de la vieja casa, un árbol, un patio.  Ellas nos hacen comprender la diferencia entre nuestros recuerdos y el peso o el tamaño real de personas, objetos o lugares. A diferencia de los objetos cotidianos, las cuestiones emocionales,  las palabras,  consignas o actitudes de nuestros mayores,  las imágenes y explicaciones que nos formamos de niños, no son fáciles de medir, sopesar, o enfocarlas con una saludable perspectiva. Tantas veces escuchamos que eso lo hacen por nuestro bien.

En esta obra transitamos los vericuetos de la memoria de un joven que regresa a la casa de su infancia y los efectos que en su presente crecieron al calor de la adaptación a las decisiones que tomaron sus padres. Una madre poderosa que diseña la vida de su hijo para alejarlo de las situaciones a las que ella teme, desde el idioma que es conveniente usar , de dónde debe vivir hasta la construcción de la imagen paterna.

Vi esta obra de Lucas Santa Ana y Francisco Ortiz  por primera vez cerca de su estreno,  hace unos años, y me dejé inundar por el juego de la memoria. Había hecho una nota radial y tenía apuntes para recordar cada una de las situaciones pero, decidí ir con mis no tan completo recuerdos a dejarme atrapar por la trama manos de los actores .

En mi experiencia, al revés de los objetos o espacios que uno ve luego de mucho tiempo, la obra había crecido, maduró o tal vez yo cambié, o ambos  viajamos un trecho y tenemos otra perspectiva.

¿Cuánto de lo que hacemos es fruto de las adaptaciones que creemos nececitar para vivir? ¿Qué sucede cuando nos animamos desentrañar, los motivos reales, el sentido de algunas frases, lo oculto a simple vista? Es juntar fuerzas, y valor para abrir los ojos y mirar…

Saudade  es un ejercicio búsqueda con momentos de claridad y otros de no querer enterarse.

Muy buenas actuaciones,  coreografiadas prolijamente, con entradas y salidas, en cruces temporales. Germán (Gabriel Gavila) es el que permanece con una maravillosa actuación, en ese viaje de angustia, miedos, valentías, oscuridades y luces. acompañado de manera excelente por Pilar Abentín, Agustin Aguirre, María Lía Bagnoli , Darío Miño y  Patricio Witis. Los actores, bajo la dirección de Lucas Santa Ana forman un grupo fantástico .

Me pareció muy buena la reconstrucción escenográfica y sonora de la época… más bien de las dos épocas de Saudade.

Un viaje que vale mucho, y nos ayuda además, a analizar desde otro punto de vista cambios culturales que  se vivieron con mucha prisa.

María Inés Senabre

 

Saudade

De Lucas Santa Ana y Francisco Ortiz

Ficha técnica

Dramaturgia: Lucas Santa Ana y Francisco Ortiz

Actúan: Pilar Abentín, Agustin Aguirre, María Lía Bagnoli, Gabriel Gavila, Darío Miño, Patricio Witis

Vestuario y escenografía: Mariana Petrini

Diseño de luces: Soledad Ianni

Música original: Coiffeur

Fotografía: Kenny Lemes

Diseño gráfico: Leandro Restaino

Asistencia de dirección: Vanina Cavallito

Dirección: Lucas Santa Ana

Domingos a las 18.30 hs

Espacio Polonia, Fitz Roy 1477 (C.A.B.A.)

Entradas $300 / Promociones disponibles

RECOMENDAMOS, Sabados, Teatro

Anita o La tragedia de las partes sa en El Tinglado

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000201736Mientras algunos dialogaban sobre si se trataba  de una sociópata con su entorno, o si todos los personajes existen en realidad, otros no fuimos pensando en la complejidad del ser humano. ¿Qué creencias nos impulsan a ser unas cosas y no otras y cómo pueden cambiar esas creencias,? ¿De qué manera elegimos creer?

Una especie de relación psicópata entre los elementos de una relación y el disfrute trágico del nacimiento, desarrollo  y transformación de las emociones.  Esta obra además es un juego en el cual sucede algo que supera la suma de las partes.

Luis Longhi es un autor con una personalidad bien notoria, que se expresa también en sus participaciones,  como actor y como director. En su obra Anita,  se maneja con  cuidado y justicia, con la misma violencia y belleza que solo es posible cuando autor y director pueden desdoblarse de una sola persona.

Las maravillosas actuaciones de Maia Francia, Sebastian Politino, Pablo Sorensen y María Viau te ingresan sin posibilidad de escape a esta historia enferma y loca.

La inclusión de la música, como en una película, ingresa en momentos bien marcados pero a la vez con cadencia natural. De esta manera realza los tonos de las situaciones y los sentimientos. En algún momento medité si el camino fuera inverso: el texto ilustrando la música, cosas que se me pasan por la cabeza nomás.

Excelente escenografía. Muy bien pensado el tono de las luces.

Una filigrana llena de caminos probables  y  extremadamente atrapante

María Inés Senabre

Duración: 65 minutos
Clasificaciones: Musical, Teatro, Adultos
EL TINGLADO TEATRO
Mario Bravo 948
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Teléfonos: 4863-1188
Entrada: $ 400,00 – Sábado – 18:00 hs
Maia Francia, Pablo Sórensen, Maria Viau, Sebastián Politino y música en vivo! Músicos en vivo: Nicolas Muñoz, Esteban Fioroni, Valter Izzo y Luz Merlo
Dirección Musical y Música Original: Juan Ignacio Lopez (Hair)
Domingo, RECOMENDAMOS, Teatro

Preparo Te? do solo mayo en La Gloria

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image001 (1)Una obra presentada en formato de teatro leído.

El texto de Beatriz Pustilnik es maravilloso. Dos personajes mantienen un diálogo Gina ( Esther Misgalov) comienza a hilvanar con dificultad, historias que forman parte de un recuerdo un tanto nebuloso. Bianca (Analía Paz) pregunta desde una postura un tanto misteriosa, e insiste, lo que hace que el hilo se mantenga en cierta manera. Para Gina es un viaje de descubrimiento, de volver a vivir y recordar lo que había quedado guardado, aunque no olvidado.

El texto y la mágica  actuación de Esther Misgalov son la joya de esta producción.  Analía Paz está muy bien en su papel, pero tal vez la puesta no la favorece. Creo que un enfoque hacia el teatro semi-montado haría que se luzca más ese texto porque se pierde la tensión entre pregunta y respuesta. Algo que creo que realzaría la idea es un ajuste de la   iluminación,  tal vez desde abajo, o una lámpara en una mesa, ya que, en el diálogo que generan luego de la presentación (charla debate) la mayoría de las personas no interpretaron los gestos, y creo que  en parte puede ser por la falta de este elemento.

Una obra para entender los laberintos de la memoria y la forma en que los niños se explican  los recuerdos (generalmente en forma errónea) cuando no son acompañados en el camino de expresar frustraciones, traumas y situaciones dolorosas. Revisar los arcones de la memoria resignifica el sentido de los cimientos personales.

María Inés Senabre

Texto y Dirección: Beatriz Pustilnik; Intérpretes: Esther Misgalov y Analía Paz, Asistencia de Dirección, Iluminación y Sonido: Claudio Sánchez, Operación de Luces: Lía Bianchi; Diseño de Flyer: Brenda Ortuza

Domingo, RECOMENDAMOS, Teatro

hasta el mismo dia en que te perdi dom en El Porton de Sanchez

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“…¿En qué estarán convertidos mis viejos zapatos?
¿Adónde fueron a dar tantas hojas de un árbol?
¿Por dónde están las angustias,
que desde tus ojos saltaron por mí?
¿Adónde fueron mis palabras sucias
de sangre de abril?
¿Adónde van ahora mismo estos cuerpos
que no puedo nunca dejar de alumbrar?
¿Acaso nunca vuelven a ser algo?
¿Acaso se van?
¿Y adónde van…?

…”

Hasta el mismo díaEste frangmento  de Adonde Van?  de  Silvio Rodriguez  se agitó en mi mente cuando recordaba esta puesta  y esta obra.

Hasta el mismo día que te perdí, muestra las historias que desde el pasado van quedando apretadas en el alma de una mujer, verdaderas o falsas.

También juega con la definición del amor como una planta que uno vigila pero que no le pertenece y del miedo a perder  puesto que cree poseer, que  transforma a un hombre en un artesano del sufrimiento.

En algún momento alguien te dijo que “eso” es una fiesta, y que “eso” es amor, y le creíste, entonces por qué no generar tus propias creencias que expliquen tus sentimientos,  tus dolores o tus falencias?

Una obra maravillosa con una puesta hermosa desde la escenografía, los artefactos, el uso de la escena, las luces hasta el sonido.

Las actuaciones son maravillosas, y está lleno de tradicionales canciones, bien cantadas

La música en vivo con un piano vertical donde un pianista -Esteban Rozenszain- es el testigo de la historia y el vocero  del pasado, cierra la imagen con perfección.

Los elementos más importantes que construyen nuestro accionar están guardados en la memoria en sus distintas capas, pero nunca tan guardados, salen a pasear muy orondos, a nuestro alrededor y  obstruyen o abren los caminos.

María Inés Senabre

“HASTA EL MISMO DÍA EN QUE TE PERDÍ”

Escrita y dirigida por Diego Brienza

Ficha Técnica y Artística        

ELENCO  Daniel Aizicovich,  Enrique Dumont, Janina Levin, Claudia Mac Auliffe, Agatha Fresco, Esteban Rozenszain, Cristian Sabaz, Analia Sanchez,  Diego Santos

BAILARINAS Lourdes Castagna, Candelaria Castañon, Florencia Galvan,  Natalia Troccoli

MÚSICA EN VIVO Y DIRECCIÓN MUSICAL Esteban Rozenszain

COREOGRAFÍAS Laura Tonelli

DISEÑO DE VESTUARIO Y ESCENOGRAFÍA Cecilia Zuvialde

DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Francisco Varela

FOTOGRAFÍA: Maria Horton

ESCULTURAS: Monica Canzio

DISEÑO GRÁFICO Micuana

PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Janina Levin

TEXTO Y DIRECCION: Diego Brienza

Domingos  18 hrs en  EL PORTON DE SANCHEZ  Sánchez de Bustamante 1034 – CABA Tel: (011) 48632848

LOCALIDADES $300 .- EST. Y JUB $200 .-

 

 

Lunes, RECOMENDAMOS, Teatro

Retrato cuantico de una Imagen que Lastima, lu en Espacio Polonia

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IMG_20190506_223614110~2El texto de Lucas Ablanedo, describe el camino a la vida tediosa y monótona de una pareja,  desarmando la imagen de un instante que detona y se rompe en  astillas cada una con su propia luz.

La energía de los actores, Zaira Godirio, Renata Piacente, Juan  Schneider  y  Claudio Tornese  bajo la dirección del autor,  permite que los fragmentos cobren sentido de conjunto.

Desde un punto temporal y espacial se ven: la soledad, la ingratitud,  el encuentro, los sueños,  la desazón,  el amor y la calentura, que se distinguen como la observación de una ameba en un microscopio.

El uso del espacio es de destacar, desde una sencilla escenografía, que se vuelve viva, formada sobre todo por mesas que mueven los mismos actores.

Una obra para llegar todo uno y estamparse en esa imagen porque  no sirve ir sólo con la mente y tratar de describir o sólo con el corazón y tratar de sentir.  no se puede ir sin los huesos , sin el miedo o sin la angustia, si vas sólo con tu mente y  tu descripción técnica no vas a disfrutarla del todo.

Para dejarse llevar y seguir pensando en este viaje en el que nos empujan un buen texto, excelente dirección y actuaciones sorprendentes.

María Inés Senabre

Retrato cuántico de una Imagen que Lastima

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ESPACIO POLONIA
Fitz Roy 1477
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Entrada: $ 200,00 – Lunes – 21:00 hs – Del 06/05/2019 al 24/06/2019
RECOMENDAMOS, Sabados, Teatro

Rojos Globos Rojos sa en Teatro IFT

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Rojos globos rojoslLa síntesis es un ejercicio intelectual y artístico, que necesita dentro de sus herramientas, un profundo conocimiento.  En un hecho teatral, de la envergadura de Rojos Globos Rojos, el adaptador y director, Christian Forteza ha transitado y se ha dejado transformar por la obra de Tato Pavlovsky
Esta obra pone de manifiesto que bastante más fácil ganarse el pan  que ganar el alma y construir los sueños.
Señala muchos de  los obstáculos de una vida de búsqueda, hasta llegar al obstáculo más estable y sostenido que es la falta de apoyo para continuar.
Muchos no logran entender que la cultura no es una actividad económica aunque pueda ser lucrativa alguna vez. También les cuesta a los trabajadores y artistas entenderlo, claro, algunas veces.
El texto intervenido  por el director  con otros del mismo autor, parece un compendio de los planteos  oficiales, sociales y personales sobre el teatro y lo que significa su existencia. Así nos deja también frente a lo que significa para nosotros.

En un enorme escenario, un exquisito uso de los recursos lumínicos y sonoros de la sala ajusta esta simple puesta con el más maravilloso y significativo vestuario.  La puesta y la actuaciones excelentes de Jorge Lorenzo, Lorena Penón y Gabriela Perea,  atrapan el aire, el negro piso del escenario y el alma del que se deje permear por la pregunta cansada y ansiosa. Porque la pregunta está pero nadie la mira, porque hay que seguir hasta que den los pies.

María Inés Senabre

Protagonizada por: Jorge LorenzoLorena Penón y Gabriela Perera. Vestuario: Mario Pera. Música original: Elena Avena. Fotografía: Sebastian Ochoa. Diseño de Luces: Horacio Novelle.  Asistencia de dirección: Magalí Mussi

Adaptación, dirección y puesta en escena: Christian Forteza.

Desde el sábado 13 de abril Únicas 5 funciones

Espacio IFT Bulogne Sur Mer 549 (CABA)

Sábados 22hs

Entrada: $300 ó 2x $400

Domingo, RECOMENDAMOS, Teatro

Toque de Queda Dom en Teatro Andamio

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thumbnailEso que tiene la obra de Gorostiza. Desde lo tan autóctono volverse trascendente  de tal manera y con tal claridad que su lenguaje pasa a ser universal sin perder el brillo local. Un teatro con peso tan propio, un clásico por calidad y contenido.

En esta puesta, con dirección de Natacha Delgado, se respetó el clima de la época en la cual está datada la historia (1945).  Distraídos en las noticias como en un programa de chimentos nadie mira lo que sucede, y lo que dice un dudoso uniformado pasa a ser una ley que da seguridad a una incipiente clase media. Un mecanismo que parece sacralizado en la actualidad es  aceptar el pensamiento de otro como propio, y la autoridad como justa a pesar de nuestra familia y necesidades o sea renunciar a nuestro pensamiento y poder en pos de un cómodo sometimiento.

Muy buenas actuaciones y el manejo de la escena, hacen que la profundidad propia de la obra se manifieste.

La ecenografía es muy buena, asi como el cuidado del vestuario.

María Inés Senabre

 

Todos los domingos a las 20 hs. se presenta

Toque de Queda

De Carlos Gorostiza, con Dirección y Puesta en Escena de Natacha Delgado / Intérpretes: Roberto González Segura, Rosana López, Ana Pasulevicius, Gustavo Reverdito y Miguel Villar / Funciones: Domingos, 20 hs. / Teatro Andamio, Paraná 660 / Entrada $300 (Est. y Jub. $250)

RECOMENDAMOS, Teatro

Judith y Holofernes mar en C Cultural Freire

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bajaComo sucede el heroísmo? Nos presentan a Judith, uno de los personajes más extraños de la historia bíblica, una heroína mujer que se planta frente a un invasor. Una historia que tiene todos los condimentos para la reflexión. Más allá de la diferencia del papel de la mujer leído desde las antiguas culturas, el personaje es bastante fuerte en si mismo para trascender las épocas y los cambios culturales.

En esta obra Judith y Holofernes muestran su pensamiento y sus dudas. Así como Judith entiende que cumple un papel que la excede, Holofernes  tiene la convicción de que está cumpliendo un rol: él debe ser ese conquistador sanguinario. En este juego y  por más que le pese, esa  mujer debe ser tomada y violentada, dejando de lado incluso su deseo. Judith desde su lugar de viuda,  siente la tensión entre sus creencias y su misión, esa que fue llamada a  cumplir. Ambos personajes entienden que tienen un deber por extrañas que parezcan sus acciones.

Nahuel Picone como adaptador y director maneja con claridad esas energías. El mismo Picone reserva para si el papel de Mirza (la sirvienta de Judith)  que le da a nuestra heroína consejos para que no manche su ser con ese acto, y no salga herida. Las excelentes actuaciones de Ayelén Varela (Judith) y Pedro Frías (Holofernes)  nos hacen comprender lo que significan los papeles que otorga la historia.

Un maravilloso artefacto escénico sintetiza todas las necesidades de objetos, una construcción única, compleja e interesante. Muy buen vestuario e iluminación.

Una obra que abre la sensibilidad a los mundos emotivos de los héroes.

María Inés Senabre

 

 

JUDITH Y HOLOFERNES TRAGEDIA SOBRE LA VENGANZA DE UNA HEROÍNA

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Dramaturgia de Friedrich Hebbel

Adaptación y dirección: Nahuel Picone

Elenco: Ayelen Varela, Pedro Frías y  Nahuel Picone

Músico en vivo: Marcelo Macri

Teatro: Centro Cultural Freire – Cap. Gral. Ramón Freire 1090 – Chacarita

Funciones: martes 21hs

Entradas: $300 (2×500)

Sabados, Teatro

Ceremonia Bufa sa en Andamio 90

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Entonces sucede que Jesús se replantea algunas cosas. Esta excelente obra de Darío Fo tiene una puesta bellísima. Lo que trasmite como experiencia, es esa sensación inigualable que entregaba el “mester de jugaría”

Nos hace entender también que muchos comunicadores son payasos y otros juglares,  que hablan en un modo que interpretamos sin saber cómo un lenguaje técnico. Entendemos que una fotografía que se muestra no es un reflejo y admite la  poesía de una interpretación mas naturalmente rica y compleja. Entonces Jesús es un personaje maravillosamente profundo e intrincado.

La puesta es muy buena y las actuaciones , intensas, fluyen con naturalidad, de la mano de una excelente dirección.

Música, Iluminación, escenografía y vestuario son parte de esta historia y acompañan sosteniendo con calidad este divertimento genial y fertil … El carnaval de la verdad

María Inés Senabre

Ceremonia Bufa

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 sábados, 20 hs. / En el Teatro Andamio, Paraná 660 / Entrada$300 (Estudiantes y Jubilados $250)

Adaptación y Dirección: Roberto MonzoCo-dirección: Nicolás Carbó y Julián Novoa; Intérpretes:  Tomás Almandós (Tullido), Rodrigo Audisio (Soldado Romano 1/Sepultero), Facundo Buggiani (Ciego), Milton De La Canal ( Coro), Constanza Canónico ( Mujer/ Espectadora cementerio), Agustín Clusellas (Ángel/Espectador 2 cementerio ), Julieta Correa Saffi (Madre), Camila Fuster (Coro), Bruno Iacobaccio (Juglar), Rosario Ramos Isola (Coro), Catriel Labat (Coro), Ignacio Milazzo (Soldado Romano 2/Espectador 1 cementerio), Francisco Ramírez (Borracho), Miguel Ángel Villar (Bonifacio); Producción: Julieta Correa Saffi y Bruno Iacobaccio;Escenografía, Iluminación, Utilería y Diseño Gráfico: Kenneth Orellana Gallardo; Vestuario: Ariel Nesterczuk; Música: Ignacio MilazzoFotografía y Difusión: Marcela Russarabian

Domingo, RECOMENDAMOS, Teatro

Un señor alto, rubio, de bigotes dom El Crisol

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image001Una excelente obra. “Un señor alto, rubio, de bigotes”, presenta un planteo que ilumina desde un rincón distinto la búsqueda laboral.. Siento que aún  va más allá de la coyuntura, de la cuestión de esa búsqueda, porque las soledades en las que te deja la sociedad en la cual sos un juguete tratando de ser jugador, despierta complejos mecanismos de la mente para adaptarse. El personaje Fernando Scyardis (Pablo Mariuzzi) elije seguir luchando, caminar como quien va sobre el fuego, se dice “no te pares” de distintas maneras pero el espiral  se transforma en un infierno. 

La excelente actuación de Pablo Mariuzzi logra sobrellevar y también hacer brillar un texto que tal vez merezca, en esta puesta,  algún pequeño corte, pero eso va en gustos y en el enfoque del director Leonardo Odierna. La dirección, sostiene la coreografía de esta locura que se arma como un tejido enmarañado en el que jamás se tropieza. Pablo te gana con la primera mirada al público, en el primer segundo de la obra, los ojos te buscan y te encuentran a pesar de que con la luz en la cara (la mejor luz de la puesta), seguro es ciego a tu existencia. 

El autor, Humberto Costantini logra expresar, además de la historia en si misma, miles de mecanismos que se reflejan en nuestro interior como la negación, la angustia, la culpa etc. 

Una obra emotiva, con toques graciosos y grotescos que nos deja más sabios pero un poco dolidos, porque todos esperamos que el camino se abra y  saque a Fernando del circuito desesperado.

La escenografía es una silla (literal)  por lo que las paredes se sostienen en la iluminación, y me  parece que tendría que ajustar algunos detalles en ese rubro, algunas veces parece desnudo y muy plano el rectángulo del escenario.

Gran actuación y gran reflexión.

María Inés Senabre

Teatro

Un señor alto, rubio, de bigotes

Del poeta, novelista, ensayista e intelectual argentino Humberto Costantini, protagonizado por Pablo Mariuzzi, con dirección de Leonardo Odierna / Funciones: Domingos, 20.30hs. / Teatro El CrisolMalabia 611 / Entrada $250 (Estudiantes y Jubilados $200) / Tel. – Informes: 4854-3003 / Reservas: Alternativa Teatral (http://www.alternativateatral.com/obra58803-un-senor-alto-rubio-de-bigote)

 

Autor: Humberto Costantini; Intérprete: Pablo Mariuzzi; Dirección: Leonardo Odierna; Diseño de Luces: Miguel Solowej; Escenografía y Vestuario: Jorgelina Herrero Pons; Producción Fotográfica: Malena Figó y Gabriel Reig; Diseño Gráfico: IB Producciones Creativas; Producción Ejecutiva: Lorena Székely y Armando Saire.

BUSQUEDA DIAS DE LA SEMANA, Sabados, Teatro

Rojos Globos Rojos sab C C de la Cooperación

teatro

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Rojos Globos Rojos

Eduardo “Tato” Pavlovky

Protagonizada por: Jorge LorenzoLorena Penón y Gabriela Perera. Vestuario: Mario Pera. Música original: Elena Avena. Fotografía: Sebastian Ochoa. Diseño de Luces: Horacio Novelle.  Asistencia de dirección: Magalí Mussi

Adaptación, dirección y puesta en escena: ChristianForteza.

Síntesis argumental

Ante la inminente clausura del teatrito “Los Globos Rojos” sus protagonistas “El Cardenal” y las “Popis” van a resistir la medida. El posible cierre actúa como desahogo, a modo de confesión, de sus frustraciones, sus miedos, sus pasiones, sus amores, constituyéndose en una metáfora de la resistencia.

Esta versión es el resultado de la adaptación de la obra que lleva su nombre, pero también incluye fragmentos y escenas de otros textos del autor. Tomando momentos de “La Muerte de Margarite Duras”, “Cerca” “Paso de Dos” “Cámara Lenta” confluyen y generan una versión profunda del mundo Pavlovskiano.

Reestreno: Todos los sábados de marzo Únicas funciones

Centro Cultural de la Cooperación Corrientes 1543. (CABA)

Sábados 20.30hs

Sala. Pugliese
Entrada: $280

BUSQUEDA DIAS DE LA SEMANA, Sabados, Teatro

Stalker, el juego comienza Sab Teatro Porteño

Esta comedia de Juan Paya ,  se presenta con un texto  bien trabajado. Lo interesante además del suspenso que se mantiene sin fisuras, es que el ritmo está cuidadosamente manejado y funciona fluidamente.

El elenco funciona armónicamente bajo la dirección de Cristhian Quiroga. Actuaciones y coreografía se disfrutan mucho. Elías Córdoba brilla en su papel protagónico, un actor de lujo.

La escenografía es sencilla pero efectiva, con pocos objetos pero de buena calidad.

María Inés Senabre 

 

Stalker, El juego comienza

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FICHA TECNICA

Stalker, el juego comienza.

Autor: Juan Paya

Dirección: Cristhian Quiroga.

Actores:

Elias Cordoba, Mumy de los Rios, Lucas Vena, Facundo Posincovich, Lupe Torres, Tamara Otero, Maximiliano Olmedo, Matias Lujan, Camila Geringer, Tatiana Schreiner, Romina La Rosa,J Juanqui Fortuny, Florencia Fiare, Mariano Martina

SONIDO: Alejandro Andruskevicius

FOTOGRAFIA: Horacio Sabatini

DISEÑO GRAFICO:Mario Narciso

MUSICA ORIGINAL: Hernan Lechuga

COREOGRAFIA: Debora Longobardi

UNCIONES

Sábado 21 30hs // COMEDIA //

 ENTRADAS $300

Teatro Porteño: Corrientes 1630  CABA

 

BUSQUEDA DIAS DE LA SEMANA, RECOMENDAMOS, Sabados, Teatro

Hamlet sa en Teatro el Colonial

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Adrián Di Stefano le pone la voz a los personajes de la obra, sin cambio de vestuario. Transita por las relaciones y los sucesos, solucionando con fineza y si excesos el paso por cada personaje y los diálogos. Como su propia voz en el fondo de la conciencia en la despedida de la vida.

Un texto que supone un gran esfuerzo,  aunque en ningún momento se percibe en el intérprete que  lo lleva con aplomo y naturalidad.

Una escenografía simple y de excelente factura con una iluminación cuidadosa y una selección musical de lujo completan el trabajo.

Una manera novedosa de revivir un clásico,

María Inés Senabre

“Hamlet”

De William Shakespeare. Versión Unipersonal de Adrián Di Stefano.

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Producción: Teatro Colonial, Paseo Colón 413 (Esquina Av. Belgrano), C.A.B.A. – Argentina.

Funciones: Sábados de enero y febrero 21 hs. (Desde el Sábado 12 de enero).