Poesia - Libros - Lecturas, Teatro

Rojo – se presenta con performance C.Cultural de la Cooperacion 20-02-20

El jueves 20 de febrero de 2020  a las 20 hs. sucedió la presentación del primer poemario de Silvina Pizarro. El formato  una performance poética, teatral, musical y audiovisual

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Bajo la dirección de Alfredo Martín  se presentaron Gonzalo Álvarez, Marcelo Bucossi, Marito Falcón, Silvia Kanter, Pepa Luna,  Silvina Pizarro , el pianista: Fidel Araujo  y el audiovisual de  Ignacio Verguilla. Maravillosas presencias y sonidos.

Silvina Pizarro no inventa palabras, no inventa sentidos, profundiza los silencios que las palabras tienen. En Rojo  les encuentra entonces a ellas, las reinas,  sonoridades y ritmos que amplían su espectro de luz. La poesía no es historias(o si) pero su importancia no es el sentido diccionario sino los sentidos que despierta. Así medra Rojo  despacio como los brotes de primavera hasta ser una colección hermosa de poemas en la edición de El Bien del Sauce.

Alfredo Martín no inventa una historia, no rompe con una dramaturgia o una puesta el sutil hilo poético que mantiene la cohesión. El resalta, sube el tono, le da fondo a la forma y a lo desforme. No somete a las palabras, se deja informar y les da espacio de libertad.

Como director, equilibra tonos y potencias de tal manera que parecería un estampado lógico en una tela y a la vez cada imagen tiene una profundidad propia.

Fue muy placentero sentarme en la butaca y dejarme llevar por las palabras de Rojo, que aparecen, nos dicen una y otra vez, se repiten pero jamás se tropiezan.

Un video que solo ilustra como un pincel y las sonoridades de un piano completan el ambiente apropiado y justo.

El Centro Cultural de la Cooperación fue la locación perfecta.

Ojala repitan esta performance, tiene valor en si misma y es imperdible en muchos sentidos:  las luces, la puesta, la música en vivo,  el equilibrio sonoro y  estético. Todo muy disfrutable.

María Inés Senabre

 

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Domingo, Teatro

Olga – Masha – Irina Variaciones sobre Chejov dom en El Camarin de las Musas

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olga maya IrinaEsta obra de José Sanchís Sinisterra es un juego en el que los papeles de las “Tres Hermanas” son ensayados, comentados, semi-montados.

En este caso cada una de las actrices cumple varios roles, su personaje principal, la actriz que representa el personaje y,  los otros personajes de la obra, en este caso como relato interpretado.

En ese espacio se dan el premiso de la crítica a la situación, el humor y algunas otras travesuras.

En la puesta de Alejandro Giles las actrices  Ana María Castel, Livia Fernan y Emma Rivera conforman  un buen grupo  de las cuales se destaca Livia Fernan sin dudas.

Las plasticidad de los supuestos lleva a un desdoblamiento en el cual las emociones algunas veces son de los personajes de Chéjov y otras de los personajes de Sanchís Sinisterra, o sea de las mujeres en el escenario interpretando los papeles, como el personaje que actúa a Irina, que  se emociona por decir el texto y lo disfruta…  Interesante para pensar también el camino de la actuación y  sus distintos enamoramientos.

En el juego de jugar hay varios tropiezos con el texto pero pueden confundirse un poco con el estilo de ensayo de la obra.

La escenografía es maravillosa, sencilla  pero de calidad y contundente.

Es sin dudas un entretenimiento intelectual que parece dedicado sobre todo a gente de teatro, escritores y  a los amantes (pero con relación abierta) de Chéjov.

María Inés Senabre

 

De José Sanchís Sinisterra, con dirección de Alejandro Giles / Intérpretes: Con Ana María Castel, Livia Fernan y Emma Rivera / Funciones: A partir del 12 de enero, domingos, 20 hs. / Sala: Camarín de las Musas, Mario Bravo 960 / Precio de la Entrada: $400 (Menores de 30 y Club La Nación $200 / Jubilados $300) / Redes: @variacionessobrechejov (Facebook e Instagram)

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La Noche a Cualquier Hora – Libro de Poemas

El  miércoles 25 de septiembre a las 19 hs., en la Sala Solidaridad del Centro Cultural de la Cooperación, se presentó  “La Noche a Cualquier Hora” el nuevo libro de Patricia Diaz Bialet,   con la participaciones  de Jorge Dubatti – investigador teatral (muy interesante, y pasional), el Director Artístico del Centro Cultural de la Cooperación Juano Villafañe  y la actriz Gabriela Licht que leyó unos poemas, para darle un tono diferente a las voces.  Una presentación hermosa, muy vivamente poética.

Cada libro de poemas tiene un estilo, como la pincelada de un artista plástico.. La Noche a Cualquier Hora es como un río formado por muchas vertientes, poemas que confluyen en un lento transitar de palabras. 

María Inés Senabre

La noche a cualquier hora

  (Ediciones En Danza)

 

“Saltar desde la certeza de los misales / los altares / la cuerda de los reglamentos / las tareas mediopelizantes / los cenáculos los festejos los dogmas de toda clase / Saltar desde el reptil estival que anida en el raciocinio / cuando beso al consorte astuto para monedas de cambio varias /  Saltar desde los miembros juveniles / que se enfilan como palitos chinos en su estuche de prudencia / Saltar y arrojar las dotes al vacío / las suertes urbanas a la deriva / los púlpitos esperanzados en la futura lechigada / Los complacientes barajan las alianzas desde que tengo doce años / Hay que saltar desde lo seguro / los trabajos los vecinos los hijos las madres / los jardines de pañales / las infidelidades venideras / No lisonjeo al marido de tres clubes / al escribano / al empresario con su tatuaje obligado y dolorido / Saltar sin inducir las consecuencias / se quitan las redes una a una / y se salta / sin más / ni siquiera el amante acompaña / él también se extirpa de mí”  – Poema “Saltar”, del libro “La noche a cualquier hora”, de Patricia Díaz Bialet (Ediciones En Danza)

“En La noche a cualquier hora Patricia Díaz Bialet entreteje un cuádruple continuum. Primero, y tal vez el más relevante: el de la perduración de la poesía en su vida. Este es su décimo libro publicado, extremo de en un arco que se abrió en 1989 con el 1º Premio del Fondo Nacional de las Artes para Los despojos del diluvio y configura hoy un camino de treinta años. ¡Feliz aniversario, bajo el signo del diez! Un segundo continuum hay, en realidad no menos importante: el de la cinta de Moebius, como quería Lord Byron, entre vida y poesía, o entre poesía y vida. Poesía vivida, existencia poetizada. Los casi 150 poemas del libro (libro de libros, dividido en seis secciones) reenvían a episodios fechados, desde 1972 hasta tiempos recientes, episodios territorializados (en un viaje, un bar, un sueño, un bombardeo, “cada noche” o durante el tiempo de un “presidente gorila, corrupto, vendepatria y cipayo”). Diario lírico o de lírica diaria, la poesía como carnet de voyage, cuaderno de bitácora, e incluso bosquejo de historia familiar (con enciclopedia de parientes en notas al pie). En esta sinfín, más que autobiográfica, la escritura de Díaz Bialet se muestra autopoética (y en variante, por momentos, autoficcional). Un tercero: escritora que lee, lectora que escribe. En su abundancia de citas y epígrafes, La noche a cualquier hora es una biblioteca, un fichero bibliográfico, una autobiografía (o autopoesía) polifónica de lectora. Finalmente, un cuarto continuum: el de los vínculos liminales entre literatura y teatro. En 2017, gracias al director Mariano Dossena, los actores Ana María Cores, Gustavo Pardi y Florencia Carreras, y la saxofonista María De VittorioLa noche a cualquier hora fue teatro. Pero ya lo era desde su nacimiento: en la matriz de escritura de estos poemas está inscripta la presencia de la voz, del cuerpo y de los espacios teatrales. Poemas que llaman a la escena y escena que convoca hacia el libro”, declara Jorge Dubatti  

“Se trata de una extensa obra de 200 páginas que reúne alrededor de 150 poemas trabajados con minuciosidad de orfebre. Todos ellos presentan citas, referencias, acápites, epígrafes y fechas que contextualizan cada una de las piezas de los seis bloques del libro. En él se instalan historias y acontecimientos personales que dejaron huellas en la vida de la poeta y que son transmitidos con emoción, ironía y una intensidad particular. Sin duda, atributos propios y caracterizados del estilo de Patricia Díaz Bialet, autora de fecunda y valorada trayectoria en la poesía argentina”, comenta Javier Cófreces (Fundador de Ediciones en Danza)

Miercoles, RECOMENDAMOS, Teatro

Brotherhood, mi Teatro Nün

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Esta obra de Anahí Ribeiro es una especie de constelación familiar. Pasando por los recuerdos las culpas y todas esas cosas que suceden entre hermanos., el camino a la madurez en esas relaciones comienza cuando se desentrañan los hitos de la memoria que ya fueron interpretados y resignificados en la exégesis familiar.  En la familia las respuestas, los saludos y los consejos, se parece tanto como las reacciones ante un estímulo, tienen un poco de prejuicio, un poco de cuidado, un poco de esperanza y otro de miedo.

Una obra que plantea las mismas cosas que suceden tantas veces,  pero con el ritmo y el color actual de las redes sociales, con una estética de Instagram puesta en las proyecciones y de wassap en los diálogos.  Anahí Ribeiro entonces arma la dramaturgia poniendo de manifiesto la poca movilidad  y presencia de la vida actual. Lo hace con diálogos  telefónicos, a través de las redes, e incluso  en una reunión pero con los personajes sentados en sillas,  en una fila la mayor parte de la obra. Todo tan estático a nivel físico y en contrapartida se plantean varias historias  movilizantes que tienen que ver con la vejez de los padres y los rencores del pasado.

Cambian las formas de comunicación pero las relaciones fraternales mantienen sus tensiones.: Los secretos y los sucesos que todo el mundo vio pero que nadie interpretó de la misma manera.  las historias repetidas como una liturgia, como credos que se machacan una y otra vez para sostener la estructura que (y esto tiene gracia) se cree como el sostén del entramado.

Esta obra logra captar que aunque los niños sean testigos de sucesos sus interpretaciones suelen ser exageradas o erróneas y los recuerdos están teñidos de adaptación y miedos..

Las actuaciones son  buenas en general  y aunque el nivel de los actores no es parejo, la puesta y un trabajo cuidadoso de dirección logran el balance y  el  fluir de la dramaturgia . 

Espectacular trabajo de proyecciones y mapping.

Nunca terminamos de entender hasta que nos ilumina el amor.

María Inés Senabre

 

 

“Brotherhood”
De Anahi Ribeiro.

 

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Miércoles a las 21hs., en Nün Teatro Bar, Juan Ramirez de Velasco 419, C.A.B.A.

Ficha Técnica.

Elenco: Julia Funari, María Forni, Ingrid Mosches, Gerardo Scherman, Mariano Sacco, Carlos Marsero y Bárbara Majnemer.

Asistente de dirección: Demián Ledesma Becerra.

Producción Ejecutiva: Antonella Schiavoni.

Fotografía y Diseño de Iluminación: Akira Patiño.

Diseño 3D: Demián Ledesma Becerra

Diseño escenográfico: Demián Ledesma Becerra.

Diseño de mapping: Eugenia González Choque.

Diseño gráfico: María Forni.
Duración: 75 minutos.

Dramaturgia y direcciónAnahi Ribeiro.

AUTORA  Y DIRECTORA DE  NOMEOLVIDES EN LA NIEBLA Y   LA FRAGILDAD DEL CIELO

Domingo, RECOMENDAMOS, Teatro

Tomar la Fabrica – dom C.C. de la Cooperacion sala Tuñon

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Tomar r la Fábrica  es una obra de Joselo Bella,  Ricardo Díaz Mourelle (actores en esta puesta)  y Pedro Sedlinsky, (el director)  que nos muestra una conversación de amigos, actores de teatro , desde un detonante aparentemente  poco trascendental, en la que se apuran conflictos. El dinero,  el amor y la seguridad, el significado del trabajo y del arte como trabajo despiertan  tensiones que no se resuelven porque se arman por capas, dejando al desnudo que muchas veces somos malos como público y poco pacientes como oyentes  en un contexto fraterno.  Se expresan  tomando personajes clásicos del cine o enfoques de entrenamiento varios, generando no pocas risas en el público.

Los taxistas y los pescadores no son los únicos cuyos relatos hacen crecer un suceso o un pescado tanto que tal vez  refleje  vagamente la realidad.  Hasta un empleado administrativo cuenta la historia de un expediente, y lo que dijeron el archivista,  el jefe, o el encargado,  a alguien que lo mira con incomprensión absoluta de la gracia de aquello.  Médicos, farmacéuticos, peluqueros… todos tienen versiones geniales y absurdas de sucesos que serían de otra manera incoloros.  En estos asuntos los actores son mejores, porque saben medir,  la mayoría de las veces, cuando se van de registro  por lo que es posible disfrutar, cuando escriben pequeñas obras maestras para contar algo simple.

El texto nos recuerda también algunas maneras de juzgar en el pasado la vida del artista músico o actor y sus réplicas en el presente. Miles de historias se acumulan sobre elegir entre el amor o la familia y la actuación en el teatro  o como músico.  Las recordamos en las voces de los abuelos,  en la mesa de navidad tal vez.  Aquí escuchamos sentencias parecidas en el recuerdo de la vida de cada uno de los personajes.  La miseria y el rencor  oscurecen esos recuerdos, que parecen trascender la opinión del relator. La moraleja cambia de enfoque en la mente del joven o el niño que la escucha, y se vuelve un sufrimiento hecho a medida . Esto marca la raíz de  la comprensión del sentido qué le damos al trabajo. Extrañas escalas de valores que se entrecruzan como las de Escher, son el cimiento  de  las renuncias,  los emprendimientos, los sacrificios y las pretensiones.

La vida local, con su historia y su presente, enmarca a  estos héroes de grandes batallas, reales o ilusorias, tal vez de cabotaje, mientras aprovechamos a repasar algunas cuestiones locales más o menos recientes. La data sobre la época , un poco confusa pero amable,  me lleva 15 o 20 años atrás,  por el  color del diálogo,, mas no por la edad de los personajes, como si fuera una charla quedada en el tiempo . Hay algo íntegro y realista,  con sus momentos épicos, grotescos, trágicos o  desmesurados.

Es  interesante la dramaturgia en la que cada uno de los relatos genera  ansiedad, curiosidad o molestia en el otro personaje que se muestra con más ganas de ser escuchado que de escuchar, pero genuinamente interesado  por el otro fuera de lo discursivo. Queda de manifiesto el peso del karma familiar por el que las decisiones  son  reacciones muchas veces inmensurables.

Las actuaciones son muy buenas,, con un gran trabajo de dirección que sostiene las intrincadas tensiones del juego dramático. La puesta en general es sólida..

Nunca se valora  suficientemente  lo que pueden generar nuestras palabras en la mente de otro.  Nunca se reflexiona lo suficiente sobre el trabajo del actor y su cotidianidad.

María Inés Senabre

 

 

“Tomar la fábrica”
Dirigida por Pedro Sedlinsky

 

*Desde el 8 de septiembre, todos los domingos a las 19:30hs., en el Centro Cultural de la Cooperación, Sala Raúl Gonzalez Tuñón, Corrientes 1543, C.A.B.A. – Argentina.

*Reservas: 5077-8000. Valor de la entrada. $350.

Domingo, RECOMENDAMOS, Teatro

Segismundo do Sala El Extrangero

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Un texto tan profundo llevado al lenguaje teatral, deja el alma pasmada, en carne viva. En esta puesta, la vida palpitante en la pluma de Pedro Calderón De La Barca  nos interpela. Tan trillado como el cuento de  Cenicienta o de Buda, los temores de los reyes frente a las profecías  sobre su descendencia siempre resultan en malas ideas sobre como evitar lo que entienden como desgracia inminente. Le podríamos haber dicho que va a perder la apuesta, pero  les sigue pareciendo buena idea. Como siempre el entorno intenta aprovechar   este desequilibrio cargado de culpas y miedos.

Un actor y sus títeres, en un diálogo como de un prisionero solitario con los habitantes de su territorio imaginario. Pregunta, contesta, odia y ama.

Los creativos objetos que  arman la escenografía son herramientas de expresión maravillosas en manos del excelente titiritero y actor Luis Rivera López. Es una belleza ver las dos partes en diálogo, en la misma persona dividida entre él y  los títeres tamaño humano adulto. Claramente se demarcan los interlocutores, y es realmente una conversación angustiosa y ferviente.

La pregunta es tal vez, quien es tu carcelero y que temes de la libertad.

La puesta es realmente mucho más que presenciar el mundo que crea este brillante artista. Sentía por momentos que escapaba de sus manos el manejo de lo que sucede en escena, y me generaba  expectación, con mucha profundidad y  trascendiendo la historia.

Una de esas experiencias que piden ser mantenidas al rescoldo del corazón, por un buen rato, para disfrutar de su dulzura y su pasión.

María Inés Senabre

 

 

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Segismundo

Nueva propuesta (para adultos) de Libertablas, basada en “La vida es sueño”, de Pedro Calderón De La Barca

Dramaturgia e interpretación: Luis Rivera Lopez / Dirección: Gustavo Manzanal /  Funciones: Domingos, 20.30hs. / Sala: El Extranjero, Valentín Gomez 3378

Entrada: $400.- (Est. y Jub. $350)/ / Redes: Segismundo (Facebook)

Nuevo trabajo de Libertablas, donde a partir del cruce entre el teatro y la manipulación de títeres y objetos, se propone habitar uno de los clásicos de la literatura universal: “La vida es sueño”, de Pedro Calderón De La Barca.

 

Domingo, RECOMENDAMOS, Teatro

Chicos Feos dom en La Soderia

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IMG_20190811_193214576~2Mi experiencia con esta obra es verla pegar un salto, porque la vi en el pre-estreno, y entonces, esta segunda vez, me asombraron cuestiones diferentes, no la historia, no la estructura y la búsqueda general,  sino la madurez  de esta puesta.

Qué es lo feo? Un título que desde ya cuestiona.  Nadie resiste un archivo y nadie resiste un lente acercándose. Más allá qué sigo considerando que la belleza o la fealdad son construcciones sociales, y que aún la simetría que se toma como una regla absoluta es, en algún aspecto, un punto de vista, esa belleza, la que todo el mundo aplaude,  se pierde grandemente con un enfoque. Gabriel Gavila acerca una lente, y desde corta distancia tal vez todos seamos Chicos Feos.  

La estructura de la obra es firme dentro de su aire de naturalidad, y su apariencia de imprevisibilidad.

Como la belleza, la empatía y la compasión tienen que ver con la mirada y el acortar distancias.

En esta obra, plagada de  historias reales, podemos comprender  el valor escondido en el miedo, el miedo escondido en la agresividad, y todas esas cosas tan humanas, si logramos  un acercamiento sin prejuicios.

La maravilla es que es un show y no un evento de auto-ayuda, o terapéutico. La participación dentro del grupo de actores de Gabriel aporta el contrapeso exacto que mantiene el equilibrio.  No es una obra fácil de dirigir.

Me encantó verla esta segunda vez y disfrutar ese salto desde la semilla hasta una obra que se plantea profunda y divertida a la vez.

El grupo de actores numeroso, además de Gabriel Gavila:  Lautaro Cuevas,  Juan Felipe Pelaez, Ruben Quintero, Santiago Larrama, Stefano Rapisardi, Javier Roldan, Marcelo Salas, Leandro Sturla, Lior Telezon y Gastón Viturro.  logra una ecléctica armonía  y el aprovechamiento de los puntos fuertes de cada individualidad.

El trabajo escenográfico está muy bueno. La puesta es excelente, tanto como el manejo en escena en dónde todos se mueven con soltura.

María Inés Senabre

 

 

“SHOW (CHICOS FEOS)”
de Gabriel Gavila.

*Todos los domingos a las 18hs., en Espacio Artístico La Sodería, Vidal 2549 Belgrano, C.A.B.A. – Argentina.

*Entrada a la gorra. Reservas: chicosfeosteatro@gmail.com