BUSQUEDA DIAS DE LA SEMANA, RECOMENDAMOS, Teatro

Construcción Poética de un recuerdo. A Silvia Filler CC de La Cooperación

El teatro  es, aveces,  un espacio para encontrarse con los que se han ido. También es un tiempo fuera del tiempo para seguir conversaciones comenzadas, para desahogar respuestas y broncas, o imaginar palabras perdidas, porque los espiritistas no son los únicos dueños de ese viaje. Pero un diálogo con alguien tan joven cuya vida fue arrebatada, tiene un poco de mundo alternativo, en el que se escenifica lo que no pudo caminar o lo que no pudo construir con su vida.

La  historia es sumamente tierna, con luces de juegos infantiles, de canciones y músicas. Lo hermoso de la dramaturgia es que tiene un toque personal, algo amoroso en el cual el dramaturgo habla con Silvia Filler, juega canta, lee, discute y baila, pero también plantea cuestiones políticas e históricas, esperando tal vez, retratar como en esos programas de computación, los posibles tiempos no vividos, las distintas madureces, y la distintas bellezas de una joven cuya muerte marco la  lucha estudiantil.

En el  espacio ubicuo dónde todo es posible el dramaturgo se da todos los gustos, y por suerte tiene buen gusto.

La escena es esa oscuridad fantasmal dónde surgen los espíritus que la alumbran. Todo es muy bello y delicado, con juegos coreográficos llenos de gracia

Una maravillosa puesta para una joya de la dramaturgia, con excelentes actuaciones.

Una de esas obras que lava el alma sin lágrimas.

María Inés Senabre

Grupo Los Internacionales Teatro Ensamble
Texto y Dirección: Manuel Santos Iñurrieta; Intérpretes: Marina García y Manuel Santos Iñurrieta; Funciones: Sábados, 20 hs.; Sala: Centro Cultural de la Cooperación (Tuñón), Av. Corrientes 1543; Entrada: 1000; Redes: @losinternacionalesteatro 

  • Ficha Técnica
  • Intérpretes: Marina García – Manuel Santos Iñurrieta
  • Escenografía: Diego Maroevic  Vestuario: Marina García y Lucía Salatino
  • Música original: Pepo Migliori 
  • Iluminación: Horacio Novelle 
  • Asistencia General y Técnica: Diego Maroevic
  • Diseño gráfico: María Eugenia Summa
  • Fotografía: Agustina Haurigot – Comunicación y Redes: María Eugenia Summa 
  • Producción: Los Internacionales Teatro Ensamble
  • Texto y Dirección: Manuel Santos Iñurrieta.         
RECOMENDAMOS, Sabados, Teatro, Uncategorized, Vicente Lopez (BA)

Monologos Enrarecidos -julio 2022 4×1

El teatro puede generar una burbuja en el tiempo con una obra, si hablamos de más de una obra – 4 en realidad- se puede viajar en el tiempo tranquilamente pero nos rescatan los intervalos en los que se regresa a la charla, el café, el merchadising. Aviso: los objetos, recuerdos, libros y encendedores, se venden en pesos, no sé aceptan Australes perdidos

En una época bastante corta de la historia de nuestro país (Argentina) se transitaron uno de los bellos y enriquecedores momentos económicos que nos hacen más sabios que el resto del mundo. Unos seis añitos de nada. Sobre esto se hizo humor, olvidos o distintas cosas, Sergio Di Crecchio busca la oscuridad, que es su territorio favorito.

Cuatro miserables situaciones plagadas de desesperación y otras emociones horribles, con tinte cinematográfico fantástico.

Excelentes obras muy bien dirigidas con muchas exigencias a nivel actoral. Un trabajo escenográfico de gran simpleza y realismo en el cual nos sentimos rápidamente inmersos

El teatro habla de muchas cosas y no hay casi ningún rincón en el cual no pueda poner su exacta luz, o su completa oscuridad. La mezcla de ambas es lo que en estas cuatro obras se utiliza para marcar un plano de la sociología y la psicología en un tiempo histórico en particular. Al ver esto vemos toda la humanidad y todo el tiempo, porque una buena aproximación y amplificación de un punto nos da la destilación de la cultura y sus gestores: «la sociedad». Hablamos de la cultura no como la acumulación de conocimiento sino la forma en que el ser humano medra en un mundo incierto.

Esto genera una experiencia teatral de gran calidad de factura y lineamientos independientes (under). Una increíble puesta.

María Inés Senabre

Pocas Luces en un Tiempo Austral (actuación Julieta Mantarro), Flaquezas ( actuación Leonel Segovia)  Esperanzas Derramadas (Actuación Luana Barraza) ,

Hacer de lo Cotidiano un Juego ( Actuación Candela Pastor), Obras de Sergio Di Crecchio, dirigidas por el mismo.

Dos horas de Teatro en el Espacio Puertas Abiertas de Florida (BA) Domingos 19 hs entradas x @monologosenrarecidos

Domingo, RECOMENDAMOS, Teatro

Éter Retornable mayo/julio domingos en CPM Multiescena

«Mira tan lejos como puedas, hay espacio ilimitado allá, cuenta tantas horas como puedas, hay tiempo ilimitado antes y después». Walt Whitman

Para ver el Mundo en un Grano de Arena
Y el Cielo en una Flor Silvestre:

Abarca el infinito en la palma de tu mano
Y la Eternidad en una hora: William Blake

Cuándo empezaba mi blog de espectáculos una de las obras que vi fue una hermosa puesta de Eter Retornable. Como siempre yo mirandola de un montón de facetas, la disfruté mucho.

En esta ocasión, la maravillosa puesta dirigida por Laura Cecilia Álvarez, con las actuaciones de Pablo Rusconi y Camila Sebio, me despertó caminos poéticos y filosóficos, sobre la vida, el instante. Cada partícula tiene el sello de una vida completa. Una semilla de eternidad.

William Blake o algo así. La obra arranca a una temperatura y va subiendo poco a poco, en una hora se desgrana toda la existencia de una pareja, el fin es el principio y el principio es el fin. O tal vez no existan ninguno de ellos, como un mueble desordenado en el cual están todas las cosas pero van saliendo mientras uno revuelve en el. Un rompecabeza para armar qué podría ser una puerta a la sabiduría.

Hablando de lo que vemos, y olvidémonos de la filosofía por un momento. Teatralmente resalta un aspecto tragicómico de la existencia de la pareja, con muy buenas actuaciones que se van ensamblando y tomando ritmo en el correr de la obra. Algún público se ríe de algunas cosas otro público se ríe de otras cosas y otro público no se ríe nada pero todo el mundo está atento eso sí.

Un absurdo como lo más real, no hay nada más absurdo que la realidad. La escenografía me parece maravillosa. Aprovechando al máximo el espacio, trabajando en vertical, ya que no se logra profundidad se logra en distintas alturas. Me parece espectacular.

Realmente la vería más de una vez, si llego a tiempo porque todavía hay planos que me gustaría profundizar.

María Inés Senabre

FICHA TÉCNICA DE LA OBRA

Texto: Angie Oña
Actúan: Pablo Rusconi, Camila Sebio
Voz en Off: Inés Lugones
Fotografía: Kimosavi Producciones, Argen Photo
Dirección: Laura Cecilia Alvarez
Asistencia de dirección: Veronica Donadio

Sabados, Teatro

Cómo Juegan los Perros sab El Metodo Kairos

es una comedia muy buena con mucha tela para armar conversaciones a la salida.

Planteada como una obra de terror, me resultó muy interesante. Se nota el camino del tiempo en las actuaciones, excelente ritmo, y envolvente en muchos aspectos. No me resultó el terror, pero tal vez sea porque no estoy en pareja, la pareja y sus proyectos es el camino por donde el miedo se cuela.

La obra tiene mucho más que terror, tiene un análisis sobre la búsqueda y las expectativas del humano promedio en la relación de pareja. Tal vez no el promedio, sino una clase media con sueños de ascenso social y económico. Los nuevos modelos de relación que quiere deconstruirse pero queda en la pantomima: la mujer emprendedora y el marido, un ser infantil que prueba proyectos como a los quince años, y por supuesto, ambos dando palos de ciego que destruyen más que otra cosa.

En los años 80′ en las reuniones sociales donde no había tema, se terminaba hablando de los niños, pasaron unos años y el tema fueron las adquisiciones, en la actualidad se recurre a las mascotas.

Cuando la pareja está unida por algo sin contenido afectivo, eso mismo se transforma en su castigo.

Más allá de esta relación que se ve, el terror más grande es sentirse reflejado en estos seres con la vida precaria en todos los sentidos, sin amor, sin respeto, y sin base sólida: ni económica, ni humana, ni estética o creativa, que marque una proyección. Gente sin paz atada a una historia que murió hace tiempo.

Hay una intención de enfocar el terror en un personaje que te saque de ese espejo maldito, y se logra en algunas ocasiones, pero es una comedia muy buena con mucha tela para armar conversaciones a la salida.

La dramaturgia me gustó mucho, y las actuaciones son muy buenas. Les dejo los datos aquí abajo.

Saludos a todos los caminantes del teatro en Buenos Aires.

María Inés Senabre

Dramaturgia de Lucas Ranzani Dirección de Rubén Viani. Protagonizada: Julia Rosell Fieschi, Lucas Ranzani

Sábados, 20:30 hs. en El Método Kairós (El Salvador 4530, CABA).

RECOMENDAMOS, Sabados, Teatro

Yorick- la mirada del bufón- sábados en el teatro Beckett CABA

La gran distancia que existe entre la vocación de un bufón, su función social y el chiste fácil o difícil, bueno o malo, de reunión social. Aunque no creo en la inocencia de los chistes (tal vez algunas inocencias he perdido),

Cuando se ríen de las ocurrencias que intentan gracia, de un político, el jefe, la bella o el galán, todo el mundo sabe que para ver su peso real hay que hacerle un descuento, por la imagen o el poder, o por los deseos que despierta el personaje. Algunas veces es un gran descuento.

Todas esto y mucho más flota en la atmósfera de esta obra , pero las cavilaciones no nos distraen de las actuaciones y de los juegos de amores calientes y fríos, de los egoísmos y posturas infantiles en la fiesta de los poderosos. Ya no tienen ninguna necesidad y aún así se sienten solos.

Juguemos a que somos reyes en el baldío de casa y que nos construimos tronos con los mejores desechos de la vida que podemos encontrar.

Beber «de mentira» y amar «de mentira» ,cuando las verdades solo pueden vivir en los sueños

Impacta una escena grande y vacía con unos reyes esquinados en tronos armados con desguaces de pasadas vidas sin gloria.

Y todo cambia cuando aparece un enorme carro con un bufón que lo lleva de aquí para allá y se come el piso de ida y vuelta sin dejar vacíos.

Está obra nos presenta un reino decadente y la verdad en la boca del bufón que no tiene ninguna gracia, porque él no hace nada «de mentira» dándole contexto a este personaje casi perdido en una historia.

La mayoría de nosotros puede entender lo que se expresa sobre el humor en esta obra pero está muy bueno sintetizarlo de esta manera.

Excelentes actuaciones en una puesta maravillosa y una dramaturgia que, junto con la dirección, arman la estructura sin pérdidas y con el equilibrio justo.

Disfruté muchísimo este juego entre infantil y adulto, o infantil para adultos que apela a herramientas probadas para sostener un discurso sobre el humor de lo más interesante.

La puesta de luces es tan buena que ni siquiera hay que pensar en ella, cumple su función perfectamente. El vestuario perfecto. Todas estas cosas son buenas cuando para alguien que ve bastantes puestas, llaman la atención pero no tanto, lo justo

Tal vez en el momento que hay un poquito de danza, me hubiera gustado estirarlo a cuatro compases y trabajar un par de pasos de cumbia caliente, pero de verdad eso es porque me pareció un momento aprovechable, no se nota ni molesta. Ya saben que tengo algunos problemitas obsesivos, pero de verdad me gustó mucho y no tiene desperdicio.

María Inés Senabre

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA
Texto: Fabricio Rotella
Actúan: Nacho Bozzolo, Fernando De Rosa, Luciana Vieyra
Escenografía: Alfredo Aguirre
Diseño de vestuario: Luciana De Pinto
Diseño de luces: Fernando Chacoma

Diseño sonoro: Iván Schuscheim
Visuales: Turko González
Fotografía: Mariana Melinc
Diseño gráfico: Lucas Avigliano
Asistencia de dirección: Stella Maris Previsdomini
Prensa: Valeria Franchi
Producción general: Gisela Cantero
Dirección: Fabricio Rotella

Link Permanente: https://espectaculosalamod.wordpress.com/boletines-criticas-etc/yorik-la-mirada-del-bufon-2022/

Poesia - Libros - Lecturas, Teatro

Rojo – se presenta con performance C.Cultural de la Cooperacion 20-02-20

El jueves 20 de febrero de 2020  a las 20 hs. sucedió la presentación del primer poemario de Silvina Pizarro. El formato  una performance poética, teatral, musical y audiovisual

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Bajo la dirección de Alfredo Martín  se presentaron Gonzalo Álvarez, Marcelo Bucossi, Marito Falcón, Silvia Kanter, Pepa Luna,  Silvina Pizarro , el pianista: Fidel Araujo  y el audiovisual de  Ignacio Verguilla. Maravillosas presencias y sonidos.

Silvina Pizarro no inventa palabras, no inventa sentidos, profundiza los silencios que las palabras tienen. En Rojo  les encuentra entonces a ellas, las reinas,  sonoridades y ritmos que amplían su espectro de luz. La poesía no es historias(o si) pero su importancia no es el sentido diccionario sino los sentidos que despierta. Así medra Rojo  despacio como los brotes de primavera hasta ser una colección hermosa de poemas en la edición de El Bien del Sauce.

Alfredo Martín no inventa una historia, no rompe con una dramaturgia o una puesta el sutil hilo poético que mantiene la cohesión. El resalta, sube el tono, le da fondo a la forma y a lo desforme. No somete a las palabras, se deja informar y les da espacio de libertad.

Como director, equilibra tonos y potencias de tal manera que parecería un estampado lógico en una tela y a la vez cada imagen tiene una profundidad propia.

Fue muy placentero sentarme en la butaca y dejarme llevar por las palabras de Rojo, que aparecen, nos dicen una y otra vez, se repiten pero jamás se tropiezan.

Un video que solo ilustra como un pincel y las sonoridades de un piano completan el ambiente apropiado y justo.

El Centro Cultural de la Cooperación fue la locación perfecta.

Ojala repitan esta performance, tiene valor en si misma y es imperdible en muchos sentidos:  las luces, la puesta, la música en vivo,  el equilibrio sonoro y  estético. Todo muy disfrutable.

María Inés Senabre

 

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Domingo, Teatro

Olga – Masha – Irina Variaciones sobre Chejov dom en El Camarin de las Musas

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olga maya IrinaEsta obra de José Sanchís Sinisterra es un juego en el que los papeles de las «Tres Hermanas» son ensayados, comentados, semi-montados.

En este caso cada una de las actrices cumple varios roles, su personaje principal, la actriz que representa el personaje y,  los otros personajes de la obra, en este caso como relato interpretado.

En ese espacio se dan el premiso de la crítica a la situación, el humor y algunas otras travesuras.

En la puesta de Alejandro Giles las actrices  Ana María Castel, Livia Fernan y Emma Rivera conforman  un buen grupo  de las cuales se destaca Livia Fernan sin dudas.

Las plasticidad de los supuestos lleva a un desdoblamiento en el cual las emociones algunas veces son de los personajes de Chéjov y otras de los personajes de Sanchís Sinisterra, o sea de las mujeres en el escenario interpretando los papeles, como el personaje que actúa a Irina, que  se emociona por decir el texto y lo disfruta…  Interesante para pensar también el camino de la actuación y  sus distintos enamoramientos.

En el juego de jugar hay varios tropiezos con el texto pero pueden confundirse un poco con el estilo de ensayo de la obra.

La escenografía es maravillosa, sencilla  pero de calidad y contundente.

Es sin dudas un entretenimiento intelectual que parece dedicado sobre todo a gente de teatro, escritores y  a los amantes (pero con relación abierta) de Chéjov.

María Inés Senabre

 

De José Sanchís Sinisterra, con dirección de Alejandro Giles / Intérpretes: Con Ana María Castel, Livia Fernan y Emma Rivera / Funciones: A partir del 12 de enero, domingos, 20 hs. / Sala: Camarín de las Musas, Mario Bravo 960 / Precio de la Entrada: $400 (Menores de 30 y Club La Nación $200 / Jubilados $300) / Redes: @variacionessobrechejov (Facebook e Instagram)

RECOMENDAMOS, Talleres Literarios, guiones, expresion escrita

La Noche a Cualquier Hora – Libro de Poemas

El  miércoles 25 de septiembre a las 19 hs., en la Sala Solidaridad del Centro Cultural de la Cooperación, se presentó  «La Noche a Cualquier Hora» el nuevo libro de Patricia Diaz Bialet,   con la participaciones  de Jorge Dubatti – investigador teatral (muy interesante, y pasional), el Director Artístico del Centro Cultural de la Cooperación Juano Villafañe  y la actriz Gabriela Licht que leyó unos poemas, para darle un tono diferente a las voces.  Una presentación hermosa, muy vivamente poética.

Cada libro de poemas tiene un estilo, como la pincelada de un artista plástico.. La Noche a Cualquier Hora es como un río formado por muchas vertientes, poemas que confluyen en un lento transitar de palabras. 

María Inés Senabre

La noche a cualquier hora

  (Ediciones En Danza)

 

“Saltar desde la certeza de los misales / los altares / la cuerda de los reglamentos / las tareas mediopelizantes / los cenáculos los festejos los dogmas de toda clase / Saltar desde el reptil estival que anida en el raciocinio / cuando beso al consorte astuto para monedas de cambio varias /  Saltar desde los miembros juveniles / que se enfilan como palitos chinos en su estuche de prudencia / Saltar y arrojar las dotes al vacío / las suertes urbanas a la deriva / los púlpitos esperanzados en la futura lechigada / Los complacientes barajan las alianzas desde que tengo doce años / Hay que saltar desde lo seguro / los trabajos los vecinos los hijos las madres / los jardines de pañales / las infidelidades venideras / No lisonjeo al marido de tres clubes / al escribano / al empresario con su tatuaje obligado y dolorido / Saltar sin inducir las consecuencias / se quitan las redes una a una / y se salta / sin más / ni siquiera el amante acompaña / él también se extirpa de mí”  – Poema “Saltar”, del libro “La noche a cualquier hora”, de Patricia Díaz Bialet (Ediciones En Danza)

“En La noche a cualquier hora Patricia Díaz Bialet entreteje un cuádruple continuum. Primero, y tal vez el más relevante: el de la perduración de la poesía en su vida. Este es su décimo libro publicado, extremo de en un arco que se abrió en 1989 con el 1º Premio del Fondo Nacional de las Artes para Los despojos del diluvio y configura hoy un camino de treinta años. ¡Feliz aniversario, bajo el signo del diez! Un segundo continuum hay, en realidad no menos importante: el de la cinta de Moebius, como quería Lord Byron, entre vida y poesía, o entre poesía y vida. Poesía vivida, existencia poetizada. Los casi 150 poemas del libro (libro de libros, dividido en seis secciones) reenvían a episodios fechados, desde 1972 hasta tiempos recientes, episodios territorializados (en un viaje, un bar, un sueño, un bombardeo, “cada noche” o durante el tiempo de un “presidente gorila, corrupto, vendepatria y cipayo”). Diario lírico o de lírica diaria, la poesía como carnet de voyage, cuaderno de bitácora, e incluso bosquejo de historia familiar (con enciclopedia de parientes en notas al pie). En esta sinfín, más que autobiográfica, la escritura de Díaz Bialet se muestra autopoética (y en variante, por momentos, autoficcional). Un tercero: escritora que lee, lectora que escribe. En su abundancia de citas y epígrafes, La noche a cualquier hora es una biblioteca, un fichero bibliográfico, una autobiografía (o autopoesía) polifónica de lectora. Finalmente, un cuarto continuum: el de los vínculos liminales entre literatura y teatro. En 2017, gracias al director Mariano Dossena, los actores Ana María Cores, Gustavo Pardi y Florencia Carreras, y la saxofonista María De VittorioLa noche a cualquier hora fue teatro. Pero ya lo era desde su nacimiento: en la matriz de escritura de estos poemas está inscripta la presencia de la voz, del cuerpo y de los espacios teatrales. Poemas que llaman a la escena y escena que convoca hacia el libro”, declara Jorge Dubatti  

“Se trata de una extensa obra de 200 páginas que reúne alrededor de 150 poemas trabajados con minuciosidad de orfebre. Todos ellos presentan citas, referencias, acápites, epígrafes y fechas que contextualizan cada una de las piezas de los seis bloques del libro. En él se instalan historias y acontecimientos personales que dejaron huellas en la vida de la poeta y que son transmitidos con emoción, ironía y una intensidad particular. Sin duda, atributos propios y caracterizados del estilo de Patricia Díaz Bialet, autora de fecunda y valorada trayectoria en la poesía argentina”, comenta Javier Cófreces (Fundador de Ediciones en Danza)

Miercoles, RECOMENDAMOS, Teatro

Brotherhood, mi Teatro Nün

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Esta obra de Anahí Ribeiro es una especie de constelación familiar. Pasando por los recuerdos las culpas y todas esas cosas que suceden entre hermanos., el camino a la madurez en esas relaciones comienza cuando se desentrañan los hitos de la memoria que ya fueron interpretados y resignificados en la exégesis familiar.  En la familia las respuestas, los saludos y los consejos, se parece tanto como las reacciones ante un estímulo, tienen un poco de prejuicio, un poco de cuidado, un poco de esperanza y otro de miedo.

Una obra que plantea las mismas cosas que suceden tantas veces,  pero con el ritmo y el color actual de las redes sociales, con una estética de Instagram puesta en las proyecciones y de wassap en los diálogos.  Anahí Ribeiro entonces arma la dramaturgia poniendo de manifiesto la poca movilidad  y presencia de la vida actual. Lo hace con diálogos  telefónicos, a través de las redes, e incluso  en una reunión pero con los personajes sentados en sillas,  en una fila la mayor parte de la obra. Todo tan estático a nivel físico y en contrapartida se plantean varias historias  movilizantes que tienen que ver con la vejez de los padres y los rencores del pasado.

Cambian las formas de comunicación pero las relaciones fraternales mantienen sus tensiones.: Los secretos y los sucesos que todo el mundo vio pero que nadie interpretó de la misma manera.  las historias repetidas como una liturgia, como credos que se machacan una y otra vez para sostener la estructura que (y esto tiene gracia) se cree como el sostén del entramado.

Esta obra logra captar que aunque los niños sean testigos de sucesos sus interpretaciones suelen ser exageradas o erróneas y los recuerdos están teñidos de adaptación y miedos..

Las actuaciones son  buenas en general  y aunque el nivel de los actores no es parejo, la puesta y un trabajo cuidadoso de dirección logran el balance y  el  fluir de la dramaturgia . 

Espectacular trabajo de proyecciones y mapping.

Nunca terminamos de entender hasta que nos ilumina el amor.

María Inés Senabre

 

 

“Brotherhood”
De Anahi Ribeiro.

 

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Miércoles a las 21hs., en Nün Teatro Bar, Juan Ramirez de Velasco 419, C.A.B.A.

Ficha Técnica.

Elenco: Julia Funari, María Forni, Ingrid Mosches, Gerardo Scherman, Mariano Sacco, Carlos Marsero y Bárbara Majnemer.

Asistente de dirección: Demián Ledesma Becerra.

Producción Ejecutiva: Antonella Schiavoni.

Fotografía y Diseño de Iluminación: Akira Patiño.

Diseño 3D: Demián Ledesma Becerra

Diseño escenográfico: Demián Ledesma Becerra.

Diseño de mapping: Eugenia González Choque.

Diseño gráfico: María Forni.
Duración: 75 minutos.

Dramaturgia y direcciónAnahi Ribeiro.

AUTORA  Y DIRECTORA DE  NOMEOLVIDES EN LA NIEBLA Y   LA FRAGILDAD DEL CIELO

Domingo, RECOMENDAMOS, Teatro

Tomar la Fabrica – dom C.C. de la Cooperacion sala Tuñon

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Tomar r la Fábrica  es una obra de Joselo Bella,  Ricardo Díaz Mourelle (actores en esta puesta)  y Pedro Sedlinsky, (el director)  que nos muestra una conversación de amigos, actores de teatro , desde un detonante aparentemente  poco trascendental, en la que se apuran conflictos. El dinero,  el amor y la seguridad, el significado del trabajo y del arte como trabajo despiertan  tensiones que no se resuelven porque se arman por capas, dejando al desnudo que muchas veces somos malos como público y poco pacientes como oyentes  en un contexto fraterno.  Se expresan  tomando personajes clásicos del cine o enfoques de entrenamiento varios, generando no pocas risas en el público.

Los taxistas y los pescadores no son los únicos cuyos relatos hacen crecer un suceso o un pescado tanto que tal vez  refleje  vagamente la realidad.  Hasta un empleado administrativo cuenta la historia de un expediente, y lo que dijeron el archivista,  el jefe, o el encargado,  a alguien que lo mira con incomprensión absoluta de la gracia de aquello.  Médicos, farmacéuticos, peluqueros… todos tienen versiones geniales y absurdas de sucesos que serían de otra manera incoloros.  En estos asuntos los actores son mejores, porque saben medir,  la mayoría de las veces, cuando se van de registro  por lo que es posible disfrutar, cuando escriben pequeñas obras maestras para contar algo simple.

El texto nos recuerda también algunas maneras de juzgar en el pasado la vida del artista músico o actor y sus réplicas en el presente. Miles de historias se acumulan sobre elegir entre el amor o la familia y la actuación en el teatro  o como músico.  Las recordamos en las voces de los abuelos,  en la mesa de navidad tal vez.  Aquí escuchamos sentencias parecidas en el recuerdo de la vida de cada uno de los personajes.  La miseria y el rencor  oscurecen esos recuerdos, que parecen trascender la opinión del relator. La moraleja cambia de enfoque en la mente del joven o el niño que la escucha, y se vuelve un sufrimiento hecho a medida . Esto marca la raíz de  la comprensión del sentido qué le damos al trabajo. Extrañas escalas de valores que se entrecruzan como las de Escher, son el cimiento  de  las renuncias,  los emprendimientos, los sacrificios y las pretensiones.

La vida local, con su historia y su presente, enmarca a  estos héroes de grandes batallas, reales o ilusorias, tal vez de cabotaje, mientras aprovechamos a repasar algunas cuestiones locales más o menos recientes. La data sobre la época , un poco confusa pero amable,  me lleva 15 o 20 años atrás,  por el  color del diálogo,, mas no por la edad de los personajes, como si fuera una charla quedada en el tiempo . Hay algo íntegro y realista,  con sus momentos épicos, grotescos, trágicos o  desmesurados.

Es  interesante la dramaturgia en la que cada uno de los relatos genera  ansiedad, curiosidad o molestia en el otro personaje que se muestra con más ganas de ser escuchado que de escuchar, pero genuinamente interesado  por el otro fuera de lo discursivo. Queda de manifiesto el peso del karma familiar por el que las decisiones  son  reacciones muchas veces inmensurables.

Las actuaciones son muy buenas,, con un gran trabajo de dirección que sostiene las intrincadas tensiones del juego dramático. La puesta en general es sólida..

Nunca se valora  suficientemente  lo que pueden generar nuestras palabras en la mente de otro.  Nunca se reflexiona lo suficiente sobre el trabajo del actor y su cotidianidad.

María Inés Senabre

 

 

«Tomar la fábrica”
Dirigida por Pedro Sedlinsky

 

*Desde el 8 de septiembre, todos los domingos a las 19:30hs., en el Centro Cultural de la Cooperación, Sala Raúl Gonzalez Tuñón, Corrientes 1543, C.A.B.A. – Argentina.

*Reservas: 5077-8000. Valor de la entrada. $350.

Domingo, RECOMENDAMOS, Teatro

Segismundo do Sala El Extrangero

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Un texto tan profundo llevado al lenguaje teatral, deja el alma pasmada, en carne viva. En esta puesta, la vida palpitante en la pluma de Pedro Calderón De La Barca  nos interpela. Tan trillado como el cuento de  Cenicienta o de Buda, los temores de los reyes frente a las profecías  sobre su descendencia siempre resultan en malas ideas sobre como evitar lo que entienden como desgracia inminente. Le podríamos haber dicho que va a perder la apuesta, pero  les sigue pareciendo buena idea. Como siempre el entorno intenta aprovechar   este desequilibrio cargado de culpas y miedos.

Un actor y sus títeres, en un diálogo como de un prisionero solitario con los habitantes de su territorio imaginario. Pregunta, contesta, odia y ama.

Los creativos objetos que  arman la escenografía son herramientas de expresión maravillosas en manos del excelente titiritero y actor Luis Rivera López. Es una belleza ver las dos partes en diálogo, en la misma persona dividida entre él y  los títeres tamaño humano adulto. Claramente se demarcan los interlocutores, y es realmente una conversación angustiosa y ferviente.

La pregunta es tal vez, quien es tu carcelero y que temes de la libertad.

La puesta es realmente mucho más que presenciar el mundo que crea este brillante artista. Sentía por momentos que escapaba de sus manos el manejo de lo que sucede en escena, y me generaba  expectación, con mucha profundidad y  trascendiendo la historia.

Una de esas experiencias que piden ser mantenidas al rescoldo del corazón, por un buen rato, para disfrutar de su dulzura y su pasión.

María Inés Senabre

 

 

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Segismundo

Nueva propuesta (para adultos) de Libertablas, basada en “La vida es sueño”, de Pedro Calderón De La Barca

Dramaturgia e interpretación: Luis Rivera Lopez / Dirección: Gustavo Manzanal /  Funciones: Domingos, 20.30hs. / Sala: El Extranjero, Valentín Gomez 3378

Entrada: $400.- (Est. y Jub. $350)/ / Redes: Segismundo (Facebook)

Nuevo trabajo de Libertablas, donde a partir del cruce entre el teatro y la manipulación de títeres y objetos, se propone habitar uno de los clásicos de la literatura universal: “La vida es sueño”, de Pedro Calderón De La Barca.

 

Domingo, RECOMENDAMOS, Teatro

Chicos Feos dom en La Soderia

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IMG_20190811_193214576~2Mi experiencia con esta obra es verla pegar un salto, porque la vi en el pre-estreno, y entonces, esta segunda vez, me asombraron cuestiones diferentes, no la historia, no la estructura y la búsqueda general,  sino la madurez  de esta puesta.

Qué es lo feo? Un título que desde ya cuestiona.  Nadie resiste un archivo y nadie resiste un lente acercándose. Más allá qué sigo considerando que la belleza o la fealdad son construcciones sociales, y que aún la simetría que se toma como una regla absoluta es, en algún aspecto, un punto de vista, esa belleza, la que todo el mundo aplaude,  se pierde grandemente con un enfoque. Gabriel Gavila acerca una lente, y desde corta distancia tal vez todos seamos Chicos Feos.  

La estructura de la obra es firme dentro de su aire de naturalidad, y su apariencia de imprevisibilidad.

Como la belleza, la empatía y la compasión tienen que ver con la mirada y el acortar distancias.

En esta obra, plagada de  historias reales, podemos comprender  el valor escondido en el miedo, el miedo escondido en la agresividad, y todas esas cosas tan humanas, si logramos  un acercamiento sin prejuicios.

La maravilla es que es un show y no un evento de auto-ayuda, o terapéutico. La participación dentro del grupo de actores de Gabriel aporta el contrapeso exacto que mantiene el equilibrio.  No es una obra fácil de dirigir.

Me encantó verla esta segunda vez y disfrutar ese salto desde la semilla hasta una obra que se plantea profunda y divertida a la vez.

El grupo de actores numeroso, además de Gabriel Gavila:  Lautaro Cuevas,  Juan Felipe Pelaez, Ruben Quintero, Santiago Larrama, Stefano Rapisardi, Javier Roldan, Marcelo Salas, Leandro Sturla, Lior Telezon y Gastón Viturro.  logra una ecléctica armonía  y el aprovechamiento de los puntos fuertes de cada individualidad.

El trabajo escenográfico está muy bueno. La puesta es excelente, tanto como el manejo en escena en dónde todos se mueven con soltura.

María Inés Senabre

 

 

“SHOW (CHICOS FEOS)”
de Gabriel Gavila.

*Todos los domingos a las 18hs., en Espacio Artístico La Sodería, Vidal 2549 Belgrano, C.A.B.A. – Argentina.

*Entrada a la gorra. Reservas: chicosfeosteatro@gmail.com

Jueves, RECOMENDAMOS, Teatro

24 de septiembre, casi casi primera ju Teatro La Comedia

 

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En la divertida y bien armada obra de Caro Setton y Silvia Kanter, «24 de septiembre casi casi primavera»  Caro  nos presenta una mujer sola, muy real que cuenta su historia con música, andando por el escenario. El amor los sueños, los deseos y los obsesiones, contrapuestas a lo cotidiano de un pequeño departamento y una vida económicamente acotada.

Esta simpática dama, es una excelente música, que compuso distintos temas de corte popular, con colores de tango, ritmo en el cual es una gran intérprete.

Es un buen ejercicio reírnos de nuestros tropiezos cotidianos, los efectos de las hormonas o la incomprensión de los que nos rodean.

La maravillosa puesta  tiene un aire artesanal, que es la forma en la que se construyó la historia y que se replica en cada uno de los detalles.

La escenografía de Gerardo Porión, que comparte la realización con Facundo Guerreschi tiene  aparatos escénicos sencillos,  sumamente artísticos y funcionales, (que quisiera llevarme a casa) manufacturados por Giancarlo Scrocco.

Para disfrutar de la coreografía, las canciones y la actuación de una obra realista y cargada de buen humor.

María Inés Senabre

 

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24 de septiembre, casi casi primera

Nueva comedia musical, inspirada en la vida de su protagonista, donde con ternura e ironía, ingresamos al mundo íntimo de una mujer que comparte con el público sus luces y sus sombras.

 

 

Dramaturgia: Caro Setton y Silvia Kanter; Letra y Música: Caro Setton (Canción “Diálogo Interno”, en co/autoría con Juani Spolidoro) Dirección: Silvia Kanter / Intérprete: Caro Setton / Funciones: Jueves, 21.00hs.  /Sala: Teatro La Comedia, Rodríguez Peña 1062 / Entrada: $400.- (www.plateanet.con y boletería)